John Pasche: “…sacar la lengua simbolizaba protesta y anti-autoridad de alguna forma. Es justo el tipo de cosas que un niño hace cuando no le gusta algo o quiere ser grosero…”

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Por: Maite García

jitomaite@gmail.com

 

 

John Pasche es un diseñador gráfico, ganador de varios premios, que ha trabajado para la industria de la música. Él ha hecho carátulas de discos, carteles, folletos y logotipos, entre ellos el icónico logo de la lengua roja de los Rolling Stones. En esta entrevista para Culturamas, Pasche nos habla de su trabajo creativo, sus experiencias y opiniones después de haber terminado su maestría en The Royal College of Art, y de haber sido comisionado para crear la imagen de la banda de los Rolling Stones. De ahí en adelante, él ha trabajado para otras bandas y artistas, como por ejemplo, The Art of Noise, Jimi Hendrix, The Who, David Bowie, etc.

 

¿En 1971, al diseñar el logotipo de los Rolling Stones, imaginaste que crearías uno de los mejores casos de marketing en la historia del rock? ¿Llegaste a pensar que encontrarías este diseño impreso en camisetas, tatuajes, etc.?

El brief inicial del logotipo era hacer su nuevo sello discográfico y de membretes, etc. Por lo tanto, no lo consideré algo muy complejo. La primera vez que se utilizó para una mayor escala fue para la bolsa interior del álbum Sticky Fingers. Después de eso, se volvió más popular y reconocido. Durante la década de los setenta, los Stones comenzaron a tocar en lugares cada vez más grandes y alrededor de todo el mundo. Por lo mismo, todo el material de mercadotecnia creció y gano popularidad con ellos. Así fue como el logo llego a ser lo que es hoy.

¿Cómo fue que llegaste a este excepcional diseño? ¿Tuviste otras ideas antes de éste?

El concepto para el logotipo salió de una reunión con Mick en su casa de Chelsea. Él me mostró una imagen que le gustaba de la diosa hindú Kali, y de inmediato me llamo la atención su lengua apuntando hacia abajo. Fue entonces cuando tuve la idea de que sacar la lengua simbolizaba protesta y anti-autoridad de alguna forma. Es justo el tipo de cosas que un niño hace cuando no le gusta algo o quiere ser grosero. Esta fue la única idea que tuve en ese momento, pero estaba seguro de que era la correcta. También quería un logotipo que pudiera ser utilizado sin la tipografía y el nombre de “Rolling Stones”, lo cual era algo inusual en aquella época.

¿Cuál es tu opinión del resto del material grafico, diseñado por Andy Warhol, del álbum Sticky Fingers?

Siempre me ha encantado el diseño del álbum Sticky Fingers y creo es una de las cubiertas de LP más creativas que he visto. Desde que era universitario, era fan del trabajo de Warhol, pues fue el primer artista en utilizar el diseño gráfico como una forma de arte.

¿Te consideras un artista pop? ¿Cuál es tu método de diseño?

Yo me veo a mi mismo como diseñador y no como artista. Básicamente, tengo una idea o un concepto y luego me pongo a averiguar qué medio puedo usar para transmitir esa idea. Por lo general, puede ser fotográfico o ilustración.

En tu trabajo para el Southbank Centre, en las portadas de “International Piano Series and the International Chamber Music Series” comparas constantemente a los instrumentos musicales con el cuerpo humano. Cuéntanos sobre el concepto detrás de estas imágenes.

Yo veo a la música clásica como una combinación entre la música que sale del instrumento con el ser humano. Por lo tanto,usé las formas del cuerpo humano y las adapte y relacione con las de los instrumentos.

¿Te consideras un diseñador racional o intuitivo? ¿Por qué?

Me considero un diseñador intuitivo, pues mi enfoque no es totalmente racional. Saco ideas de aquí, de allá y de todas partes. Por lo general, creo que si hago algo que realmente me gusta, es porque, seguramente, a las demás personas también les gustara.

¿Quién o qué consideras que es tu influencia personal o tu inspiración para trabajar?

Mis primeras influencias fueron Man Ray, Magritte y los artistas pop.

¿Cómo ha sido tu experiencia diseñando para la industria de la música? ¿En que aspectos crees que ha cambiado desde que empezaste a trabajar hasta estos últimos años?

En los años sesenta y setenta, los artistas y las bandas tenían la última palabra en como debía verse el arte y el empaque de su álbum. Ellos trabajaban directamente con los diseñadores. Creo que este fue el periodo más “divertido”, y curiosamente coincide con que es cuando mejor obra creativa se ha hecho. Durante los años ochenta, las compañías discográficas empezaron a tener más control sobre el empaque de los discos. Fue una época en la que estaban tratando de establecer una fuerte imagen de sus artistas y por lo mismo, con frecuencia se usaban retratos fotográficos como portadas de los discos. A menudo, el empaque guardaba semejanzas con sus videos promocionales. Creo que en la década de los noventa, hubo más libertad creativa gracias a la proliferación de sellos independientes. Ahora, por supuesto, la mayor parte de música es descargada de Internet y la importancia del material gráfico como una herramienta de ventas ha disminuido en gran medida. Sin embargo, esto no quiere decir que no haya buenos trabajos en el ámbito del diseño para la música.

Después de haber hecho el diseño para diferentes artistas y grupos de música, qué aspectos consideras importantes para que un diseñador pueda captar su esencia, y logre crear material gráfico que la contenga?

Creo que es importante para un diseñador tratar de traducir lo que un músico pone en sus canciones a un lenguaje visual. A veces esto sale de platicar con ellos y así, obtener la “chispa” que enciende una idea para empezar a trabajar. Por lo general, me pasaba que entre más interesado estuviera el artista con el material gráfico y más exigencias tuviera, era más fácil trabajar con él. Mick Jagger fue un ejemplo notable. Otras veces, solo me dejaban hacer lo cualquier cosa que se me ocurriera, y esto siempre me resultaba más difícil.

 

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