Por Benito Garrido.

El arte siempre ha sido objeto de robos y saqueos a lo largo de la historia, pero hoy en día se ha convertido en uno de los principales valores codicia de ladrones, por delante de objetivos tradicionales del hurto como eran las joyas o el dinero. Si al objeto artístico en cuestión que se pretende, se le añaden los apelativos de antigüedad, valor histórico y significado religioso, entonces nos encontramos ante un tesoro que cualquiera gustaría de poseer.  Cualquiera que sea capaz de inmiscuirse en un negocio tan lucrativo como es el actual tráfico de obras de arte.

En este sentido, los atentados contra el Patrimonio Histórico que se producen anualmente en nuestro país, son bastante más numerosos de lo que cabríamos imaginar.  En esa línea de sucesos, no hace ni un año todavía, se produjo uno de los robos que más conmocionó a la opinión pública, altas esferas eclesiales y autoridades artísticas.  Se trata del Códice Calixtino (Codes Calixtinus) que fue sustraído del archivo de la Catedral de Santiago de Compostela. Un documento histórico artístico de enorme valor, que a día de hoy todavía no ha sido recuperado. 

Para hablar de este incidente, y de su nueva novela El códice del peregrino (Editorial Planeta, 2012), que acaba de ser lanzada y en la que precisamente ficciona ese importante suceso, hemos tenido una pequeña charla con el historiador y escritor José Luis Corral.

P.- ¿Qué tiene de especial el Códice Calixtino para que llame la atención de un ladrón?

R: Se trata de un manuscrito de gran valor económico (la última que lo tasó una compañía de seguros lo hizo en seis millones euros) por su antigüedad, es del siglo XII y sus miniaturas, pero además contiene la “Guía del peregrino”, un relato que ocupa veinte folios y que se trata de la primera guía que describe el camino del Santiago en el siglo XII, y las primeras composiciones de polifonía de la música europea. Además, tiene un gran valor simbólico para el imaginario compostelano por lo que supone de recopilación de muchos de sus mitos y leyendas.

P.- ¿Se sabe si realmente, y según cuentas en tu libro, se trata de un robo por encargo?

R: En la novela utilizo la ficción a partir de la historia. En la realidad, sólo puedo hablar de lo que ha revelado la policía, que imagino que no es todo cuanto sabe. Pero por el operativo del ladrón y porque ya han pasado casi siete meses y sigue sin aparecer, me temo que se debe a un robo por encargo, aunque una segunda posibilidad podría ser que lo haya sustraído alguien interesado en causar daño a la catedral a algunos de sus responsables. De hecho, el señor deán tuvo que dimitir en octubre de su cargo.

J.L. Corral. Foto © Carles Mercader

P.- Si es así, me surge otra pregunta en torno al tráfico de obras de arte. ¿Es tan importante como dan a entender los medios de comunicación que se hacen eco de cada robo?

R: El tráfico ilegal de antigüedades y obras de arte mueve cada año miles de millones de euros. Las compañías de seguros desembolsan cada año por las póliza sobre obras de arte robadas una cantidades astronómicas. El arte siempre ha sido un refugio seguro para los inversores, incluso para los delincuentes, y en tiempos de crisis su valor suele aumentar. Cada día se roban en mundo obras de arte de todo tipo, tanto en el ámbito de lo público como en colecciones privadas.

P.- Robo limpio y sin estridencias. ¿Tan desprotegido está nuestro patrimonio histórico artístico? ¿Razones económicas o políticas?

R: El patrimonio español es extraordinariamente amplio, y buena parte de él no está bien protegido. La seguridad absoluta es casi imposible, y además la crisis económica ha provocado una relajación en la medidas de seguridad ante la falta de dinero. Por ejemplo, la catedral de Santiago dispone de un plan de seguridad integral que se eleva a 17 millones de euros pero que de momento, por falta de dinero, no se ha podido aplicar. Además, la cultura suele ser la última de las preocupaciones de la política española, y los presupuestos dedicados a ella los más escasos, a veces son ridículos.

P.- En tu novela complicas la trama con un texto secreto que se oculta en el códice, y que hace aún más interesante la trama. ¿Piensas quizás en una continuación de la historia?

R: Tras cinco meses escribiendo esta novela con una intensidad absoluta me he quedado exhausto. Debo pensar con calma si sigo en esta línea o la dejo para más adelante. De momento he retomado una novela histórica sobre el siglo XVI y un par de ensayos de historia que levo arrastrando hace un par de años y espero culmina este año. Lo que no renuncio es a escribir un ensayo sobre el linaje de Cristo y los orígenes del cristianismo. Una segunda novela sobre el Códice podría ser factible, pero hay que esperar acontecimientos.

P.- El planteamiento apócrifo que haces sobre la genealogía de Jesús, ¿no es meterse en camisas de once varas? ¿con la Iglesia hemos topado?

R: No creo que para un historiador sea meterse en once varas al estudiar la figura de una de las grandes personalidades de la historia; es mi trabajo. Y en cuanto a la Iglesia, venimos topando con ella desde hace dos mil años: lo hicieron los primeros cristianos que entendieron que el mensaje de Jesús lo estaban desvirtuando las autoridades eclesiásticas que siguieron los dictados de san Pablo, herejes como Pablo de Samosata; lo hizo una matemática como Hipatia de Alejandría; lo hicieron los cátaros en los siglos XII y XIII; los reformistas protestantes en el XVI; Galileo Galilei… y tantos otros. Si la Iglesia quiere dejar de toparse con la libertad de pensamiento debe cambiar de actitud y abrirse al mundo. Pero bueno, yo no soy nadie para decir qué debe hacer la Iglesia, tiene suficientes doctores para ello.

P.- Se dice que has aprovechado la estela del robo para hacer una novela de tirón comercial.

R: ¡Qué más quisiera yo!, y la editorial Planeta, y los libreros, y los distribuidores, y los impresores que esta novela fuera un éxito de ventas. Pero nadie sabe dónde se encuentra el éxito para que un libro “funcione”. Además, yo decidí escribir la novela el mismo día, el 7 de julio de 2011, que conocí el robo del Códice, y en ese momento no imaginaba que ese delito –si es que al final se demuestra que lo ha sido- tendría semejante repercusión. Me apasioné con este asunto, tal vez porque soy medievalista y el Códice Calixtino es una obra de la Edad Media, y con esa misma pasión he escrito “El códice del peregrino”. Quien me conoce bien sabe que escribo lo que me gusta, sin tener en cuenta sus repercusiones.

P.- Algunos medios también se hacen eco de cierta similitud con el estilo de novelas tipo El código Da Vinci. ¿En qué ves tú esas similitudes?

R: Que ambas obras son novelas, que tienen en su forma material el aspecto de un libro… y no se me ocurren muchas más.

El códice del peregrino.  José Luis Corral.  Editorial Planeta, 2012.  300 páginas.  21,50 €

Diego y Patricia, una pareja de traficantes internacionales de obras de arte, son contratados por un millonario francés para realizar un trabajo “muy especial”: robar el Códice Calixtino, un manuscrito del siglo XII custodiado en la catedral de Santiago de Compostela, cuya historia y magnetismo llevan atrayendo a los peregrinos desde hace más de un milenio.

Pero el Códice es mucho más que una guía para el peregrino. En sus páginas, oculto mediante una técnica medieval, se esconde un evangelio desconocido, donde se revelan datos inquietantes sobre la historia encubierta de la familia de Jesucristo, sus asombrosas relaciones de parentesco, los conflictivos orígenes del cristianismo, el sepulcro del apóstol Santiago y el culto a sus presuntas reliquias, que propició el desarrollo del Camino. Datos que podrían resquebrajar la fe de muchos cristianos, de ahí que el Vaticano quiera tomar cartas en el asunto.

José Luis Corral ha creado, basándose en rigurosas investigaciones, una trama apasionante cuajada de sorpresas, intrigas y conspiraciones en torno al descubrimiento de la genealogía de Jesús, y al robo del famoso Códice.

José Luis Corral Lafuente (Daroca, Zaragoza, 1957) es historiador y escritor.  Profesor de Historia Medieval y director del Taller de Historia en la Universidad de Zaragoza, es uno de nuestros escritores de novela histórica más reconocidos por la crítica y por los lectores.  Ha publicado numerosos artículos, colaborado en programas de radio y televisión, ha sido asesor histórico en cine y director histórico de la serie Historia de Aragón.  Como escritor es bastante prolífico.  En su haber cuenta con más de una treintena de obras publicadas, de las que forman parte tanto ensayos, como exitosas novelas históricas, de entre las que podemos destacar El Salón Dorado,  El amuleto de bronce, El invierno de la Corona, El Cid, Trafalgar, El número de Dios, El caballero del templo o La prisionera de Roma.

Por Luis Muñoz Díez.

Fotografías: Joaquín Fernández.

De izqda. a dcha: Larry Levene, Verónica Echegui, Sumyata Battarai, Icíar Bollaín y Luis de Val.

 En la Cineteca del Matadero, un centro cultural de Madrid dedicado a la vanguardia, se proyecto la película Katmandú, un espejo en el cielo (2011), y atendieron a la prensa la directora Icíar Bollaín, la protagonista, Verónica Echegui, y la actriz nepalí  Sumyata Battarai. A las tres mujeres les acompañaban los dos productores de la película, Luis de Val y Larry Levene, y como maestro de ceremonia Enrique González Macho.

Katmandú, un espejo del cielo (2011), es el sexto largometraje de la actriz y directora Icíar  Bollaín, nacida en Madrid el 12 junio de 1967. La película, está inspirada, aunque es una versión libre, en el libro Una maestra en Katmandú, y su guión está firmado por la directora en colaboración con el guionista escocés Paul Laverty, habitual del cine de Ken Loach.

Icíar Bollaín se inició en el cine de la mano de Víctor Erice con El sur (1983), después le han confiado papeles hasta sumar veinticuatro títulos de directores como Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Cuerda, Felipe Vega, George Sluizer o Ken Loach.

El productor, Santiago García Leaníz,  le confía la dirección del largometrajes con Hola ¿estás sola? (1995), una comedia que cumplió su función. Con Flores de otro mundo (1999) consiguió el reconocimiento internacional al recibir el Premio como Mejor Película de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes. Luego vino Te doy mis ojos (2003), y con ella llega el premio que cualquier cineasta espera: una buena recaudación en taquilla, junto al reconocimiento de la crítica y el Goya a la Mejor Película en los Premios de la Academia del Cine y uno a nivel individual como mejor director. Mataharis (2007) quizá sea su película difícil. También la lluvia (2010) es una película de buenos propósitos, muy plástica y contradictoria, que fue designada por España para optar al Óscar, pero finalmente no fue nominada. 

Verónica Echegui y Sumyata Battarai hablan de sus personajes

Sumyata Battarai y Verónica Echegui

Por su papel en Katmandú, un espejo del cielo (2011),  Verónica Echegui vuelve a estar entre las cuatro finalistas como mejor actriz protagonista para los premios Goya 2012. Ya en 20O7 fue finalista como mejor actriz revelación por su interpretación en Yo soy la Juani (2006), de Bigas Luna, un auténtico cazatalentos del cine español por su buen ojo para confiar papeles a jóvenes actores, le dio la oportunidad, entre otros, a Penélope Cruz, Javier Barden o Jordi Moya.  Por el productor Larry Levene sé del tremendo esfuerzo que ha tenido que realizar Verónica Echegui, ya que cayó enferma, con fiebre muy alta, y estaba firme en el rodaje a las cuatro de la mañana porque no podía faltar: está en el noventa y nueve por ciento de los planos de la película como protagonista absoluta.

Verónica Echegui: “El papel estaba inspirado en la  vida de Victoria Subirana, una maestra catalana que se va a principios de los noventa a Katmandú, pero el personaje de Laia era otro y yo no tenía que ser Victoria. He trabajado mucho el papel de Laia, pero sobre todo, he confiado en las manos de Icíar para que ella le diera la forma que creyera conveniente. Ella lo tenía todo muy claro, porque era la que había escrito el guión basado libremente en un momento concreto de la vida de Victoria y también era la directora de la película”

La actriz nepalí, Sumyata Battarai, interpreta un papel clave en Katmandú, un espejo del cielo (2011), ya que es a través de ella como nuestra protagonista descubre el complejo mundo de la mujer en Nepal, sus tradiciones, sus supersticiones y su sabiduría, en una cultura tan diferente, estructurada en castas, en donde sólo las mujeres de casta más inferior pueden cargar peso. La actriz, muy dulce y muy bella, Sumyata Battarai,  a la que todos llaman Sum, se pasea por el recinto de la Cinemateca del Matadero envuelta en un favorecedor sari rojo, acompañada por una mujer de más edad que viste de igual modo pero en verde.

Sumyata Battarai: “La mayoría de las situaciones que se cuentan en la película son fieles a cómo era la realidad en Nepal, pero muchas cosas han cambiado. Tienen que tener en cuenta que la película no refleja la actualidad, sino lo que ocurría hace veinte años. Entonces había más pobreza y los niños no tenían acceso a la educación. Han desparecido muchas creencias supersticiosas, como por ejemplo lo que cuentan en la película de que cuando las niñas tenían la primera menstruación tenían que permanecer en una habitación oscura. Algunas de estas creencias siguen estando vigentes, pero hay un desarrollo, hay una evolución y a las chicas antes no se les educaba, porque su destino era casarse y estar en la casa del marido, pero ahora a las niñas sí que se les está educando y tienen acceso al trabajo, yo soy actriz”.

Icíar Bollaín: “El no tener una sanidad y una educación pública lo único que hace es abrir más la brecha, porque al final el que puede paga y el que no se queda atrás”

En la misma sala de la cineteca, ahora vacía, hablo con Icíar Bollaín. Viste una camisa fina en tonos azulones, como el cielo de Katmandú, y un pantalón negro, y a poco que puede se pone un abrigo ceñido y cruzado del mismo color. Es de Madrid y se le nota, habla con una llaneza castiza que consigue que resulte sencillo todo lo que dice. Atiende a un periodista tras otro con un reloj en marcha atrás porque a las cinco salen para Barcelona para continuar la promoción. Saludo y le pregunto directamente:

Verónica Echegui, Sumyata Battarai e Icíar Bollaín

No está la película ni estrenada y Verónica Echegui, con Elena Anaya, está en todas las quinielas para llevarse el Goya de interpretación.

La nominación de Verónica Echegui es justa, está fantástica, y me da un poco de pena que el vestuario, dirección de arte, no estén nominados a los premios Goya, la dirección artística y el vestuario tienen mucho mérito, porque la película es de época. Está ambientada al principio de los noventa y ha tenido mucho trabajo. Antonio Riestra ha hecho un gran trabajo de fotografía, pero como dices, la película no se ha estrenado. Hubo seis o siete pases para los de la academia, pero el estreno es ahora, ha faltado una promoción, un estreno, unas críticas…

La fotografía es magnífica.  ¿Al  rodar en un sitio con un paisaje tan bello no se tiene la tentación de retratar el paisaje y olvidar la historia?

Sí, hay una tentación, pero yo soy más parca. Hay una tentación de que si hay algo bello lo quieres mostrar, y eso ha ocurrido siempre en el cine, pero va en contra de esta historia y esta película es  muy realista. Se trata de alguien que está allí, que vive una realidad, y si tú decoras esa realidad te sales de la historia. A mí me parece que si te mantienes pegada a la realidad de lo que estás contando vas a ganar más. La película tiene algo de documental y ese paisaje humano de las mujeres, de las chabolas, de los niños, me parece que llega más, y eso la embellece. Me pasó también en Bolivia, son ellos, sus caras, sus voces, tienen mucha riqueza y no hace falta adornar.

El proyecto Katmandú, un espejo en el cielo (2011), ¿de dónde parte?

De Larry Levene, él me dio el libro de Victoria Subirana, Una maestra en Katmandú, para leerlo cuando  estaba montando También la lluvia (2010). Me dijo que tenía idea de hacer una película sobre Victoria Subirana o Vicky Sherpa, como también se la conoce, y me ofrece que haga una adaptación o una inspiración con su historia.

¿La película está fielmente basada en el libro de la profesora catalana Victoria Subirana Una maestra en Katmandú?

No, Vicky, es joven, está viva y trabajando en nuevos proyectos en su ONG EdQual, es un personaje en sí. Una charnega que conserva el  acento catalán, a pesar de los años que lleva en Nepal, y quien quiera hacer su historia que haga un documental con ella, yo me inspiré sólo en su inicio y decidí crear el personaje de Laia. Mi personaje es más joven, y quizá más inocente que el de Vicky cuando inicia el proyecto, ella tiene hijos y Laia no. Cuando hablé con Verónica de cómo componer el personaje le dije “olvídate de todo, vanos a crearlo”.

¿Qué te interesó del proyecto?

Mis dos últimas películas me han encontrado a mí, no es que yo las haya pensado a priori. El guión de También la lluvia (2011) me lo propuso Paul Laverty, y me pareció fabuloso. Una aventura de película que merecía la pena, y con este proyecto, que también me lo ofreció Larry Lavene, me voy a Nepal, en donde no había estado nunca ni se me había ocurrido ir, y de repente me pareció un proyecto muy interesante, el poner a un personaje fuera de su cultura es muy atractivo, le obligas a hacer comparaciones entre su cultura, que cree la mejor, y la ajena, aquella que tiene que entender, y ese proceso es fascinante.

¿Un “te adaptas o mueres”?

Es la historia de un viaje interior, y lo que permite hacerlo es el estar fuera de tu entorno. Te sales de ese mapa que nos hacen a todos al etiquetarnos: tú eres el listo, tú el feo y tú el torpe… y te vas al otro lado del mundo y eres lo que decides ser. Ese viaje es el que hace Laia, porque Laia es una mujer que se reinventa, que estaba destinada a ser una mujer trabajadora en un mundo gris y se vuelve de pronto una maestra maravillosa, y es un mensaje que merece la pena dar dados los tiempos que corren.

Puede ser válida socialmente una obra tan personal, como la que ella hace, que empieza y acaba en ella misma, pero, ¿no tiene Laia una postura un poco omnipotente ante todo?

No, yo creo que el personaje es un poco naif, yo he intentado que la película no lo sea, pero el personaje yo creo que es un poco naif. Se hace un planteamiento de montar una escuela con sus ahorros y cuando se le acaban los ahorros aparecen los problemas, y es cuando se da cuenta de que está sola y que no puede llegar al final de todo su recorrido.  Se dice, “sola no puedo” y tú como espectador te das cuenta de que sola no va a poder, y  ves cómo se va  dando cuenta, y te doy la razón, porque ese querer cambiar toda una situación tu solo es muy naif.

Tiene muy buena voluntad, pero se mueve por unas motivaciones muy abstractas.

A mí me llamó también la atención. No era una persona con una ideología política, no pertenecía a ninguna organización, no tiene una motivación religiosa, por lo que no pertenece a ninguna organización religiosa, y se dedica a esta labor de una manera totalmente personal y totalmente kamikaze, por una conexión totalmente personal con los niños, y a mí  es lo que me parece bonito.

Se va dando cuenta de que no puede sola pero tampoco cede ni un milímetro.

Tiene inocencia, pero también tiene un impulso que ojalá existiera más, cuenta con una energía, con una vocación de querer cambiar las  cosas. Otra cosa es cómo lo haga y si no lo haría mejor acompañada, pero esa inocencia que tiene es la doble cara que le da tanto arrojo.

¿Ha visto la película Victoria Subirana?

Larry le enseñó una copia sin terminar y me escribió un mail en que me pone por las nubes, y reconoce que no es ella, pero reconoce el espíritu que le movió en aquel proyecto educativo. Cuando visitó el rodaje dijo que ni las clases ni el método Montessori eran así. El que quiera encontrar el método de esta mujer tendrá que buscar un documental, lo que intentábamos trasmitir eran los valores de la educación y esto es una representación.

En una llamada a recordar la importancia que tiene la educación.

Lo importante es que es una historia que podría ocurrir en Nepal o en la Cañada Real. Es una historia de unos niños que no tienen nada en cuestión de educación. A mí, personalmente, que la historia se desarrolle en Nepal me interesó, porque tiene un valor añadido, porque puedes hacer una comparación entre culturas, y me interesó porque la historia habla de la situación de la mujer que ataña a Nepal, que ataña a Asia y a tantos sitios.  

Al comparar, nos sentimos privilegiados.

Una de las consecuencias que está teniendo la crisis es que se recorte en educación y en sanidad, que es algo que tenemos aquí, y te das cuenta de lo que tenemos cuando ves la situación en Nepal. El no tener una sanidad y una educación pública lo único que hace es abrir más la brecha, porque al final el que puede paga y el que no se queda atrás. Es terrible que a costa de la crisis perdamos un logro de la sociedad de bienestar. Yo creo que hay que defenderlo con uñas y dientes.

Icíar Bollaín y Luis Muñoz Díez

Con uñas y dientes hay que defender la sanidad, la educación, la alegría, pero qué difícil es, y aún pensando que ningún tiempo pasado fue mejor y que lo mejor está por venir, es muy difícil y, por eso, es quizá más válida la iniciativa de Victoria Subirana, que un día se fue al Nepal y ayudó, igual no es cuestión de ver la cantidad sino la calidad, y midiendo con ese rasero todos podemos ayudar.

Katmandú, un espejo en el cielo (2011) se estrenó en España el pasado 3 de febrero de 2012.

Por Cristina Consuegra.

La noche feroz. Ricardo Menéndez Salmón. Seix Barral, 103 páginas.

 Cada título de Ricardo Menéndez Salmón parece revelarse como un manual filosófico sobre los conceptos en torno a los cuales pivota el libro objeto, y no lo digo sólo por esa predilección por mostrar la literatura como encarnación de un discurso contundente, sino por articular cada entramado narrativo en torno a la palabra y su simbología, ejercicio filosófico tan necesario como poco frecuente. La noche feroz, título publicado en 2006 por KRK y que Seix Barral decide reeditar a finales de 2011, es una novela soberbia que ayuda a entender esa continuidad discursiva, milimetrada y cuidada, que el escritor asturiano se empeña en construir a base de una firme creencia en las ideas y el uso de la palabra.

La cita de Spinoza que inaugura La noche feroz, maestro de ceremonias que invita a adentrarnos en la cosmogonía que proclama el título de Menéndez Salmón, pertenece a la cuarta parte de la Ética del autor holandés, obra en la que culmina la metafísica de este pensador y que expone el contenido de su filosofía. Esta parte cuarta, “De la servidumbre humana, o de la fuerza de las pasiones”, versa sobre –escrito de manera simplista- la definición e interpretación de las pasiones, incorporando, en cierto modo, el problema de la libertad en el ser humano según domine en el hombre el instinto o la razón. A mi juicio, aquí es donde se encuentra la piedra angular de la novela y por lo tanto la vigencia de la obra, ya que la acción del relato se encamina hacia la dicotomía razón-instinto, tratamiento que el autor ejecuta gracias al contubernio de personajes que habita en La noche feroz. Con motivo del brutal asesinato de una niña y la consiguiente búsqueda de su asesino, acciones insertas en un ambiente abrupto y opresivo, Menéndez Salmón despliega, en una noche que bien puede ser considerada recurrente, personajes que se construyen entre los silencios y la rudeza de las costumbres rurales, el reclamo de la violencia como símbolo de prestigio, la apelación a mecanismos de agresión como defensa de un territorio y el peso de un pasado eterno. Personajes que, tal como sucediera en la última novela de Menéndez Salmón, La luz es más antigua que el amor, y la denominada Trilogía del mal, se dejan arrastrar por pasiones cuyo origen se encuentra en los instintos primarios, y que le sirve al autor para establecer, a un nivel distinto del formal, una batalla entre la fe y la razón, la ideología y la religión, entre el fanatismo y la libertad.

Por Sofía Amechqar.

En la ciudad condal y en la capital estarán los de Ultrarradio presentando sus nuevos tebeos. Será una buena oportunidad para los que todavía no se hayan acercado a la actividad de esta editorial.

¡Son geniales!

Por Redacción Librolandia.

El escritor David Fernández Sifres, con su obra Un intruso en mi cuaderno, ha resultado ganador del XXIII Premio de Literatura Infantil Ala Delta, convocado por el Grupo Editorial Luis Vives y dotado con 12.100 € .

El jurado, presidido por doña Mª José Gómez-Navarro, e integrado por doña Marina Navarro, bibliotecaria; doña Ana López Andrade, profesora; doña Carmen Blázquez, crítica; doña Mónica Rodríguez Suárez, escritora; doña Violante Krahe, coordinadora del departamento de publicaciones generales de la editorial y don Ignacio Chao, que actuó como secretario, decidió, por mayoría, premiar el original presentado con el título Un intruso en mi cuaderno.

David Fernández Sifres (León, 1976) es licenciado en Derecho y funcionario de la Escala Superior de Técnicos de Tráfico. Aunque ha sido galardonado en cerca de una veintena de premios de relato corto, el premio más relevante de su reciente trayectoria literaria es el Alandar, que obtuvo en la pasada edición por la novela El faro de la mujer ausente y que le ha permitido hacerse un nombre en la literatura infantil y juvenil española. Tras la argentina Lydia Carreras, es el segundo autor que obtiene de manera consecutiva los dos premios literarios convocados por Edelvives.

Sobre la obra premiada, David nos cuenta: «Un intruso en mi cuaderno es una historia de amistad; de búsquedas y esperanzas. Mariano, el enfadado protagonista, pasa de querer conocer la identidad deldibujante misterioso que le pinta mariposas en el cuaderno, a interesarse por la persona: ¿Por qué le dibuja mariposas cada día? ¿Por qué a él? ¿Qué necesita decirle? Sin saberlo, esas mariposas serán la llave que les permita afrontar una situación que Mariano no puede siquiera imaginar».Sobre lo que para él supone el premio Ala Delta, confiesa que «uno no se acostumbra a ganar premios,así que, al conocer la noticia, sentí lo mismo que el año pasado al recibir el Alandar: una alegría desbordante que impidió que se me borrase la sonrisa durante horas. Es una satisfacción indescriptible ser reconocido en dos ocasiones por Edelvives. Aún tenía reciente el Alandar y me encuentro con el AlaDelta. ¡Qué maravilla!».

Francisco Díaz Valladares, XII Premio Alandar

El escritor Francisco Díaz Valladares, con su obra Antares, ha resultado ganador del XII Premio de Literatura Juvenil Alandar, convocado por el Grupo Editorial Luis Vives y dotado con 12 100 €. El jurado, presidido por doña Belén Martul, e integrado por doña María José Gómez-Navarro, editora; doña Luisa Mora, bibliotecaria; don David Fernández Sifres, escritor; don Pablo Barrena, crítico literario; doña Andrea Villarubia, profesora; y don Juan Nieto Marín, que actuó como secretario del mismo, decidió, por unanimidad, premiar el original presentado con el título Antares.

Francisco Díaz Valladares (Villamanrique, Sevilla, 1950) ha ejercido de militar y ha viajado por medio mundo durante treinta años hasta comenzar, tardíamente, su andadura literaria, caracterizada por unestilo de novela realista que tanto viaja a otras culturas como se preocupa por temas de actualidad,caso del narcotráfico en el estrecho de Gibraltar o las comunidades de hackers informáticos. El Alandar es el primer galardón con el que se reconoce una de sus obras narrativas.

«El mar ha sido desde siempre un referente en mi vida —confiesa Díaz Valladares—. De hecho, casi todasmis novelas las he escrito frente al mar y a veces me parece que las ideas no fluyen de la misma forma sin él delante. Además, me gusta navegar. Tengo un barco, buenos amigos marineros, navegantes, y entre las páginas de mis novelas casi siempre se filtra un tufillo a sal marina. Mi amigo Luis de Alba,capitán de remolcadores, me invitó a pasar un día en el remolcador San Roque. Nos metimos en elEstrecho de Gibraltar y nos pilló una buena tormenta. De ahí surgió la idea de escribir esta novela en laque Keka, hija y nieta de marinos, una adolescente que lleva agua de mar en sus venas, aprovecha una mañana la falta de clases en el instituto para acercarse al puerto a saludar a su padre, capitán del remolcador Antares, y ver de paso a Abdú, el chico que le gusta. Al llegar, el remolcador está desierto. Sin pensarlo, sube a bordo, se tumba en el camarote de su padre a esperar que lleguen, pero se queda dormida. Cuando despierta, el remolcador ha zarpado para rescatar a unos náufragos. Sin posibilidad de volver a puerto, el capitán debe cumplir la misión con su hija a bordo y Keka vivirá en su propia piel el drama de la emigración y el negocio sin escrúpulos que genera».

La noticia del premio «al principio casi me provoca un infarto, porque no lo esperaba. Luego, una enorme satisfacción, por la importancia del premio Alandar en el mundo de la literatura juvenil. Aunque ya llevo unas cuantas novelas escritas, este es mi primer premio e imagino que debe de ser como la aparición del primogénito. De todas formas, pasados los primeros momentos de euforia, abres el frigorífico, te das cuenta de que te falta de todo y la realidad cotidiana se abre paso de nuevo. Pero es innegable que el premio me da un gran aliciente para seguir contando mis historias».

Por Natalia Carrero.

La muchacha salvaje. 1.Nómada. Mireia Perez. Sins Entido.

En una noche de cuevas prehistóricas, mujeres duermen despiertas. Un hombre recibe unos buenos mordiscos de parte de la que intenta violar. En la viñeta número 23 vemos en primer plano el rostro de la muchacha salvaje. Pelo rojo, mejillas sonrojadas, boca y ojos grandes y expresión que dice mucho sobre su situación. Está enfrentándose al patriarca de su tribu nómada, que además es su padre. O mejor dicho, el patriarca está enfrentándola a ella ante los suyos, ya que es él quien habla. Si no le gusta cocinar, ni recolectar, ni ha dado descendencia todavía, ¿qué se supone que tiene que hacer con ella? Parece que no tiene cabida en el grupo, donde cada uno tiene adjudicado un papel que cumplir. Claro, por eso también ha sido calificada de loca.

Es el clásico de lo que no encaja, no se adapta a lo previsible, y de lo que posee su propio motor de fuga para sobrevivir. Pero aquí las tintas están más cargadas porque la muchacha es una quinceañera sexy sin tener demasiada conciencia de ello. Las mini pieles que viste podrían ser diseño de Marc Jacobs, con sandalias a juego, y en la página 97 se pone un bolsito en la cintura antes de salir de la cueva-hogar que ha compartido con un amante rubio. Pequeñas dosis de humor camuflado que aportan frescura. El personaje no emite palabras, sí algún gruñido. Hablan sus actos decididos y la expresividad con que Mireia Pérez logra dibujarla, a ella y a los demás elementos de la historia; el insecto o rata en los que se concentra el instante de lectura-visualización; la panorámica de la ciudad de piedra en la que hay trata de esclavas; el bosque que en un momento significa refugio anhelado, luego peligro inminente.

Nómada es el primer volumen de una trilogía sobre una muchacha decidida. Ha comenzado su viaje de individualización, que al final puede también serlo de sociabilización, porque siempre es posible encontrar un lugar desde donde se puede practicar lo vedado en otros.

La Administración de Lotería “La Mexicana”, sita en Alcorcón (Madrid), apuesta por la cultura con la creación del Primer Concurso Internacional de Relatos cuyo tema será la unión de la suerte y la lotería con la literatura.  Este concurso nace con el afán de promocionar la creatividad literaria, así como entender que se puede difundir la Cultura desde cualquier ámbito.

Además de repartir premios, Agustín Rubia, dueño de esta famosa administración de loterías, también es el organizador de este I Concurso Internacional de Relatos “La Mexicana”, al que se pueden presentar todas aquellas personas mayores de 18 años y de cualquier nacionalidad, con el principal fin de fomentar la literatura, además de ofrecer un espacio a todos aquellos que tengan inquietudes creativas.  La dotación económica de este premio es de 300 euros y un décimo de lotería de dicha administración.  El premio se fallará el próximo 31 de abril.

BASES DEL CONCURSO:

PRIMERA: Se instituye un premio único, dotado con 300 EUROS y un décimo de lotería, para el trabajo que resulte galardonado.
SEGUNDA: La extensión será de un mínimo de ocho y un máximo de diez páginas, Din-A4, mecanografiadas (ordenador o máquina de escribir) por una sola cara, con un interlineado de 1,5 y un tamaño de letra de cuerpo, 12.
TERCERA: El relato se puede presentar por correo postal: enviando un original y una copia, escritos en castellano y firmados con seudónimos. Se adjuntará un sobre cerrado, en cuyo exterior constará el título del relato y el seudónimo. En el interior de dicho sobre deben constar los datos siguientes: título del relato, nombre y apellidos, dirección, fecha de nacimiento, correo electrónico y teléfono de contacto del concursante.
También se pueden enviar por correo electrónico vía e-mail mediante archivo adjunto a la dirección: loteriaslamexicana@gmail.com. El nombre del archivo adjunto, así como el del “Subject” (Asunto) del mensaje, será el título del cuento y el seudónimo del autor.
CUARTA: El tema ha de estar relacionado con la suerte y la lotería. El cuento será rigurosamente inédito ni haber sido premiado con anterioridad.
QUINTA: El plazo de presentación de trabajos se abre con la publicación de estas bases y finalizará el día treinta de abril de dos mil doce, posteriormente a esta fecha, sólo serán admitidos los trabajos en cuyo matasellos conste que fueron enviados dentro del plazo.
SEXTA: El premio podrá ser declarado desierto. Y se anunciará convenientemente en nuestra web https://www.loteriasapuestas.com en nuestro twitter @loteriaslamexic y en nuestro Facebook.
SÉPTIMA: No se devolverán los trabajos presentados y serán destruidos todos aquellos excepto el relato ganador.
OCTAVA: Los cuentos pueden enviarse por correo electrónico a loteriaslamexicana@gmail.com o también por correo postal a la siguiente dirección:
Administración de Lotería ‘La Mexicana’
Plaza de la Constitución nº23
28925 Alcorcón (Madrid)
NOVENA: La participación en este Premio implica el conocimiento y la aceptación íntegra de las presentes bases.

Por Alejandro Contreras.

Es admirable que a sus 81 años la carrera de Clint Eastwood siga avanzando con películas tan arriesgadas como esta biografía de alguien que llegó a cotas de poder tan altas que incluso amedrentaba a los 7 presidentes del gobierno de Estados Unidos con los que coexistió durante su mandado en el FBI: John Edgar Hoover. Si bien la filmografía como director no puede estar más diversificada en géneros y temas, es innegable que sus obras gozan de una calidad bastante notable dejando para la posteridad títulos ya clásicos en el western como Sin perdón (1992), en el cine romántico como Los puentes de Madison (1995) o en el cine bélico con Banderas de nuestros padres (2006) y Cartas desde Iwo Jima (2006).

Con J. Edgar (2011) Clint Eastwood se atrevía a retratar a un personaje muy controvertido, cuyo retrato está bastante politizado y que le obligaba a “levantar la alfombra” para ver la parte más sucia que se suele esconder. Siempre es mucho más agradecido contar historias como la de Invictus (2009) donde los buenos sentimientos se transforman en hazañas épicas dignas de ser recordadas. Pero se agradece y mucho que se meta en harinas de otro costal y más en propuestas tan incómodas como ésta.

John Edgar Hoover no sólo se le recordará por haber reconvertido el Bureau of Investigation en lo que hoy se conoce como el FBI norteamericano, y por modernizar esa institución con innovación y  tecnología como el archivo de huellas dactilares o los laboratorios forenses. Pero también por el material reservado que guardaba gracias a cámaras ocultas y filtraciones ilegales que había realizado a gente tan poderosa como los residentes de la Casa Blanca. Rumores y conjeturas hay miles sobre si tenía material censurable sobre Martin Luther King, la señora del presidente Roosevelt o su implicación en la muerte de Kennedy, pero difícilmente demostrable. Con igual recelo guardaba su vida privada, aunque los rumores sobre su homosexualidad son un secreto a voces. Todos estos elementos, y en especial su condición de homosexual dentro del armario fue lo que animó a Dustin Lance Black para escribir otro guión de otro personaje homosexual a sumar a los que escribió sobre el concejal Harvey Milk en Mi nombre es Harvey Milk (2008), por el que consiguió un Oscar, y sobre Pedro Zamora, un concursante de realities de la MTV que en 1994 hizo pública su condición como seropositivo y que se reflejó en la película Pedro (2008).

Es difícil demostrar  que lo contado en esta película sobre John Edgar Hoover sea verdad, pero es imposible demostrar que es falso.  El retrato del secuestro del hijo de la estrella nacional Lindberg, el uso de grabaciones ilegales o su odio visceral al comunismo y al movimiento de igualdad racial no admite duda. Pero las conjeturas sobre la desordenada vida sexual de personalidades como Martin Luther King o John F. Kennedy que había registrado, o sobre si su relación con su adjunto Clyde Tolson pasó de compañeros y amigos a una pareja tal y como Dustin Lance Black admite como válido en su guión, pues son más discutibles.  

Clint Eastwood vuelve a ofrecernos a un homosexual atormentado porque su madre se enterara de su condición sexual como el Jim Williams (Kevin Spacey) de Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997). Eso sumado a la época que le tocaba vivir y al miedo a que fuera descubierto, Clint Eastwood nos muestra a un John Edgar Hoover (Leonardo DiCaprio) con una relación bastante fría y distante con quien era su pareja, Clyde Tolson (Armie Hammer), donde apenas había muestras de afectividad (de sexo ni hablamos) y que hasta el final de sus días vivían en viviendas separadas. Realmente un retrato lamentable y muy triste si fuera así, pero cuesta pensar que aguantaran juntos tantos años en esas condiciones con lo que parece que esa parte ha quedado demasiado “podada”.

Leonardo DiCaprio ofrece una grandísima interpretación, y aunque la caracterización en el John Edgar Hoover más anciano es asombrosa y muy cercana a la real, ha obligado a que DiCaprio vuelque su interpretación en la voz más que en los gestos pues la máscara facial que tiene que llevar elimina cualquier tipo de interpretación gestual.

Ese mismo handicap tiene Armie Harmer con una caracterización como el Clyde Tolson anciano que recuerdan a las burdas caracterizaciones de Muchachada Nui. A Armie Harmer lo vimos hace un año dando vida a los gemelos Cameron y Tiler Winklevoss de La red social (2010), aunque este papel en J. Edgar (2011) servirá para descubrir que detrás de un físico muy cuidado hay madera de buen actor. 

Junto a estos dos intérpretes no podemos olvidarnos de las siempre eficaces Judi Dench y Naomi Watts que cierran el elenco protagonista. 

Clint Eastwood, tras el resbalón de Más allá de la vida (2010), ha vuelto a la senda a la que nos tiene acostumbrado y la película es impecable. Con un ritmo acertado, sin prisas pero sin pausa, nos va mostrando una vida muy interesante que muy difícilmente se puede resumir en una película, aunque dure 137 minutos como ésta, y que te dejan con ganas de conocer algo más del personaje y seguir mirando debajo de la alfombra. Realmente es lamentable que una película como ésta no haya conseguido ni una sola nominación a los Oscars 2012, prefiriendo propuestas más ligeras o naif como Criadas y señoras (2011) o Midnight in Paris (2011). Sólo por la escena de Leonardo DiCaprio con el vestido se merecía estar entre los 5 nominados al Oscar como mejor actor protagonista de este año, un olvido imperdonable.

J. Edgar (2011) se estrenó en España el pasado 27 de enero de 2011.

“El boxeo solía ser un deporte de reyes”

Por Javier Franco.

Y que lo digas. Atrás quedaron las grandes veladas en las que auténticas estrellas del deporte se jugaban algo más que un puñado de dolares. Pero, claro, como todo en esta vida, parece que el deporte de los campeones por excelencia hace mucho tiempo que pasó a mejor vida, lejos de los grandes focos. Ya no existe un Sonny Liston o un Cassius Clay, ni siquiera un Mike Tyson. El gran espectáculo de medianoche, el que nos robaba horas de sueño y nos mantenía pegados al televisor o a la radio (la década de los sesenta no queda tan lejos) parece estar hoy de capa caída. Lo que un tiempo fue el lugar de las gestas épicas, de los hombres dispuestos a jugarse el tipo por ganar la gloria eterna, es hoy puro negocio. Recononozcámoslo: “You want the fight, you pick the prize” [Si quieres la pelea, pagas el precio].

Patrick “Lights” Leary es uno de esos boxeadores (como tantos otros) que tienen que ganarse el pan a puñetazos, uno de esos luchadores con casta que una vez estuvo en lo más alto, hasta que decidió tocar a retirada. Claro que un boxeador de los de verdad, uno de esos que entró en el olimpo de los elegidos, no puede evitar sentir cierta nostalgia por los días en los que todos querían hacerse una foto junto a “Lights”, el campeón de los pesos pesados. ¿O es que alguien se imagina a Tyson haciendo la colada y preparando la comida a sus hijos?

Con este sencillo planteamiento arranca Lights Out, una de las series que la cadena norteamericana FX estrenó el pasado año 2011. Con el boxeo como telón de fondo, Lights Out nos introduce en una historia a la vieja usanza, que no inventa nada, pero que tiene dos puntos fuertes: un guión bien construído y un brillante Holt McCanally en el papel protagonista. Referentes no le faltan al actor. Las historias de boxeadores parecen haber tenido siempre un atractivo especial para los directores de cine. Ahí tenemos a Robert de Niro en su clásico personaje en Toro Salvaje. O al más histriónico y sobreactuado Silvester Stallone en esa saga sin final a la vista que responde al nombre de Rocky. También en los últimos años hemos tenido nuestra dosis de luchadores. A destacar, la interpretación de Mickey Rourke, que da vida a El Luchador, película que firma el director Darren Aronofsky.

Curiosamente, el personaje de “Lights” parece coger lo mejor de cada uno. Así por lo menos nos lo retrata un primer capítulo del que todo guionista debería tomar nota. La idea es de todos conocida, aunque raramente empleada: un piloto que despliega toda la trama sobre la que irá girando la historia de este boxeador, con alguna que otra cuenta pendiente todavía con el ring. Alrededor, un reparto completo de personajes dispuestos a tambalear el frágil equilibrio de un personaje que irá creciendo con el paso de los capítulos. Simple y sencillo.

Sin embargo, quizás sea esta sencillez la que permita galardonar a Lights Out como una de las ficciones más sobresalientes del pasado año televisivo. Por eso y por esa baraja de secundarios de lujo. Pasemos revista. Ahí tenemos al capo, al padrino del boxeo, al hombre de negocios Barry, interpretado por un brillante Reg E. Cathy al que los seriefilos conocerán por sus papeles en The Wire y, sobre todo, en The Corner. Ahí está Eamonn Walker interpretando al entrenador Ed Romeo. Eléctrico, profundo, protagonizando dos de los mejores capítulos de la temporada. Mención aparte merece también el plantel de familiares que, entre el cariño y la avaricia, intentarán guiar a Patrick en su vuelta a lo más alto. Aunque si este que escribe tiene que quedarse con uno, no lo duda, escoge a David Morse en su papel de boxeador retirado, golpeado por el olvido, al borde de la locura. Sólo él pondrá verdaderamente en entredicho los planes de “Lights”.

Claro que al protagonista de nuestra historia siempre le quedará ese viejo dicho que preside su gimnasio: “Pain is temporary, pride is eternal” [El dolor es temporal, el orgullo es eterno]. Quizás, piensa, sólo por ello merezca la pena pasar una última vez por los rigores del entrenamiento, por los nervios del día de antes, por la ovación al entrar al estadio mientras de fondo atrona la música de la Creedence Clearwater Revival. Y al final de todo, ¿para qué?, preguntará alguno. Mejor pregúntenselo a otro. Ya lo decía George Foreman: “El boxeo es como el jazz, cuanto mejor es, menos gente lo entiende”. Casi como la televisión.

* Lights Out fue emitida entre Enero y Abril de 2011 por la cadena norteamericana FX. La serie fue cancelada tras la pirmera temporada debido a los bajos niveles de audiencia.

Del corsé al tanga. 100 años de moda en España. Laura Manzanera. Península, 2011, 21,90 €.

La moda en España: cómo nos vestimos, cómo hemos evolucionado.

Desde la elegante moda de la alta burguesía y los salones hasta el pret a porter de Mango y Zara, este libro repasa las diferentes modas, su evolución histórica, así como la forma que hemos tenido de acercarnos a ella.

Este libro no es un manual de estilo ni una guía de tendencias. Es una historia de España y de los españoles bajo el prisma del vestir. Arranca en tiempos de Alfonso XIII, cuando la moda era solo cosa de ricos, y finaliza en pleno siglo XXI, cuando ya lo es de todos. Y, por el camino, la moda se moderniza con la Segunda República, se paraliza con la guerra, se mutila con el franquismo, se democratiza con la Transición, se libera con la Movida madrileña y se globaliza con el nuevo milenio hasta ser virtual y efímera como Internet.

Este ameno y riguroso trabajo de Laura Manzanera cubre de la alta costura al prêt-à-porter; de la «A» del almidón de las enaguas a la «Z» de Zara, la marca española que ha conquistado el planeta. De los miriñaques a la minifalda, del delantal al traje chaqueta, de las enaguas a los pantalones, de la mantilla al top, de la bata de boatiné al chándal, del corsé al tanga. Un viaje en el tiempo y un espejo en que mirarnos para descubrir cómo hemos cambiado por fuera y por dentro.

 
Laura Manzanera (Barcelona, 1966) es licenciada en Ciencias de la Información y trabaja desde 1989 como periodista. Especializada en la divulgación de temas históricos, ha colaborado, entre otras, con la publicación Arenal, Revista de historia de las mujeres. En la actualidad es Jefa de Redacción de la revista de historia Clío. Ha publicado los libros Al pie de la sepultura, Mujeres espías. Intrigas y sabotaje tras las líneas enemigas, Grandes fugas, Artistas de la evasión y Olympe de Gouges. La cronista maldita de la Revolución Francesa.