Mérida 2018: gran espectáculo, comedias y sublimes tragedias

Por Horacio Otheguy Riveira

El despliegue de célebres personajes alcanza el más difícil todavía del mayor festival de teatro clásico de España desde un Ben Hur con Agustín Jiménez a Las Amazonas con su enérgica carga feminista encabezada por Silvia Abascal y dirigida por Magüi Mira, pasando por un insólito Nerón a cargo de Raúl Arévalo, dirigido por Castrillo-Ferrer, así como Pedro Casablanc se sumerge junto a Pepe Viyuela en el Filoctetes de Sófocles, y Lolita padece el imposible amor de Fedra, según Paco Bezerra…

El pasado ilustre vuelve a dar señales de formidable supervivencia en una programación que en esta ocasión incluye el delirio unipersonal de Rafael Álvarez, El Brujo, glosando nada menos que la trayectoria de Esquilo, el padre de la tragedia griega, dentro de un ciclo de 9 representaciones con vocación universal.

Del 29 de junio al 1 de julio: ELECTRA de Antonio Ruz

Dirección y coreografía: Antonio Ruz. Director del Ballet Nacional de España: Antonio Najarro. Música: Pablo Martín Caminero, Moisés P. Sánchez y Diego Losada. Dramaturgia y letras: Alberto Conejero.  Cantaora invitada: Sandra Carrasco. Primera bailarina: Inmaculada Salomón. Orquesta: Orquesta de Extremadura, Músicos flamencos del BNE. Una producción del Ballet Nacional de España. Estrenado el 9 de diciembre de 2017 en el Teatro de La Zarzuela de Madrid.

El mito de Electra ha dado lugar a múltiples versiones literarias, teatrales y cinematográficas, lanzada desde Sófocles y Eurípides a encarnar el deseo y su consecuente puesta en práctica de vengar a su amado padre, y en ese proceso en el que jamás duda han de caer los máximos responsables: su madre Clitemnestra y su amante Egisto. Con este material, Antonio Ruz impulsó esta creación para Ballet donde el bravío personaje (que, entre otros, inspiró a Shakespeare para su célebre versión masculina con Hamlet, Príncipe de Dinamarca) se convierte en desgarrada danza y cante españoles.

La influencia flamenca y de la Danza Española queda plasmada en la obra por la colaboración coreográfica de Olga Pericet, que ha impregnado pasajes de la obra con su personal estilo como creadora. El desarrollo dramático ha sido adaptado por Alberto Conejero, la música que acompaña cada una de las escenas, ha sido concebida de manera totalmente descriptiva por Pablo Martín Caminero y Moisés Sánchez, y la composición flamenca por el guitarrista Diego Losada.

Este ballet es un nuevo reto para el Ballet Nacional de España. Una Electra visceral y humana, que habla desde lo más profundo del corazón en la búsqueda de libertad. (Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España).

Del 4 al 8 de julio. BEN HUR de Nancho Novo e Yllana

Versión: Nancho Novo, a partir de la novela de Lewis Wallace. Dirección artística: David Ottone y Juan Ramos Toro. Escenografia: Carlos Brayda. Vestuario: Gabrila Salaverri, Iluminación: Juanjo Llorens. Diseño audiovisual: Javier del Prado. Resto del equipo pendiente de confirmación. Producción ejecutiva: Focus. Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Focus e Yllana.

Intérpretes: Eva Isanta, Agustín Jiménez, Elena Lombao, Richard Collins-Moore, Víctor Massan, Fael García.

Ni sombra de Charlton Heston derrochando músculo con cara de piedra en la combinación heroica de pobre esclavo, aristócratas romanos y el Nazareno camino de la cruz entre bravía carrera de cuadrigas… Lo tan zarandeado por el cine en lo menos cinco versiones desde 1925 en blanco y negro mudo, tiene origen en una novela que nació con éxito en 1880: Ben Hur, una historia de Cristo. Aquí y ahora, en la prestigiosa «arena» del Teatro Romano de Mérida, se rompen los esquemas y al mejor estilo Yllana se planta una nueva mirada plagada de ingeniosos gags, mordaces y absurdos diálogos y una curiosa reflexión sobre la verdad, el amor y la lucha de género.

Cuatro actores y dos actrices dan vida a multitud de personajes para volver a mostrarnos, esta vez sin cortapisas, lo que nadie se atrevió a contar. Con un ritmo trepidante y un ingenio visual que sus creadores han definido como: TeatroMasCope, una propuesta que permite un juego constante entre el lenguaje cinematográfico y el teatral.

Del 11 al 15 de julio de 2018: Nerón de Eduardo Galán

Intérpretes: Raúl Arévalo, Itziar Miranda, José Manuel Seda, Diana Palazón, Francisco Vidal, Javier Lago, Daniel Migueláñez, Carlota García.

El Nerón que llega a Mérida muestra cómo, a lo largo de la historia, los pueblos cometen siempre el error de permitir la tiranía de locos sanguinarios, por acción u omisión de los que están cerca del tirano.

Nuestro Nerón es un drama histórico, lleno de fuerza y pasión, desarrollado mediante una estructura moderna (varios flash-back y escenas simultáneas con espacios variados: desde el palacio o el teatro romano de Nápoles a las catacumbas). El argumento se inspira en la célebre novela Quo vadis?, de Henryk Sienkiewicz, y en textos del novelista Petronio (consejero suyo) y del historiador Suetonio. Por la obra desfilan personajes históricos y ficticios como Petronio, Marco Vinicio, Agripina, San Pablo, Ligia, Popea, Tigelino o Esporo. Poder y arte, política y ambición, locura y poder, todo ello se funde en Nerón. (Eduardo Galán)

Del 25 al 29 de julio de 2018: Filoctetes de Sófocles

Ulises y Neoptólemo quitando a Filoctetes su arco y las flechas; obra de François-Xavier Fabre, 1800.

Cuenta la mitología que Filoctetes, uno de los héroes griegos que formaban parte de la expedición a Troya, fue herido en un pie por la mordedura de una serpiente. Se cuenta que su herida infectada envenenaba el aire y sus desgarradores gritos de dolor atormentaban a sus compañeros. De tal modo, que el héroe fue cruelmente abandonado por los griegos a su suerte en la isla desierta de Lemnos. Diez años después, el ejército griego sigue sin conquistar Troya. Sabedores los caudillos griegos que, tal como establecía una vieja profecía, no se podía conquistar Troya sin la ayuda del arma más poderosa: el arco de Filoctetes, heredado de Heracles, deciden recuperarlo volviendo a la isla en donde el héroe de la tragedia fue abandonado. Aquí comienza el texto de Sófocles, su última tragedia, una obra de intriga, sin sangre, con una perfecta construcción dramática que aumenta el suspense a medida que la trama se complica. Sófocles haciendo de Hitchcock.

Fedra por Alexandre Cabanel en 1880. Musée Fabre, Montpellier, France.

«El amor, en muchos casos, es sinónimo de dicha y felicidad, pero, en otros, es también tormento y grandísima condena (en especial cuando te enamoras de la persona que no debes). Pero, ¿cómo actuar cuando la razón y el deseo entran en conflicto? ¿Es más justo atender a lo que plantea el cerebro o a lo que demanda el corazón? ¿Qué debería pesar más? ¿Pensar o sentir? Tradicionalmente, éste es el conflicto interno al que siempre ha tenido que enfrentarse Fedra, un personaje que, atrapado en las redes de la tragedia, se debate y no se puede decidir. Y esto mismo es lo que la ha terminado convirtiendo en un personaje un tanto inactivo, alguien que, incapaz de elegir, se decide por darle la mano a la muerte como la mejor de las opciones.

Por esto, la escenografía elegida es un lugar emocional, un lugar tan grande como un volcán en mitad de una isla rodeada por un mar antiguo. Un espacio que es una grieta en el pecho, un hueco por el que se ha salido el corazón de nuestra protagonista. Una puesta en escena en donde las artes visuales y la música serán vehiculares de esta historia violenta. Una Fedra contemporánea que nos venga a hablar sin tapujos y sin temor de la libertad de amar. Entender las razones de su corazón para aprender a respetarnos y, de esta forma, mejor amarnos. Convertir el gran teatro romano de Mérida en el pecho de Fedra y refugiarnos en él. El volcán está a punto de entrar en erupción». (Luis Luque y Paco Bezerra).

Intérpretes: Lolita Flores, Juan Fernández, Tina Sáinz, Críspulo Cabezas, Eneko Sagardoy

Dirección: Luis Luque. Ayudante de dirección: Álvaro Lizarrondo. Escenografia: Monica Boromello. Iluminación: Juan Gómez-Cornejo. Música: Mariano Marín. Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas. Video escena: Bruno Praena. Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos.

Del 8 al 12 de agosto de 2018: Las amazonas de Magüi Mira

Dramaturgia: Magüi Mira, basada en «Pentesilea», de Heinrich Von Kleist. Dirección: Magüi Mira. Escenografía: Curt Allen Wilmer (AAPEE) con estudio deDos. Iluminación: José Manuel Guerra. Vestuario: Lorenzo Caprile. Peluquería y maquillaje: Lola Gómez. Una producción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Pentación Espectáculos.

Intérpretes: Silvia Abascal, Loles León, Maxi Iglesias, Xabi Murúa, Antonio Hortelano, Olivia Molina, Laura Pamplona. Karina Garantivá. Coro de diez amazonas.

Las amazonas, ¿leyenda o realidad? No se sabe, y poco importa. Han atravesado la Historia con la fuerza de una de sus lanzas más afiladas. Son fuente de inspiración permanente. En la Ilíada de Homero; en el universo del género del cómic; en la música, óperas como Pentesilea de Schoeck; en el teatro la Pentesilea de Heinrich Von Kleist; en el cine la reciente Wonder Woman… Siguen en nuestro universo.

Nos sigue fascinando el mito apasionante de las mujeres guerreras. Mujeres que, con la fuerza de las armas, se rebelan ante el abuso físico de los hombres. Hartas de ser sometidas, crean un nuevo Estado sin hombres y una nueva ley. Sólo copularán con hombres que hayan vencido y cazado con un único fin: procrear para mantener su estirpe de hembras. Si nacen varones morirán. El amor posesivo está prohibido. Enamorarse es un peligro. A-Mazonas. Mujeres sin pecho. De un solo pecho. Guerreras entrenadas con extrema dureza que deciden amputarse para ser más eficaces. El cambio de roles es posible. Y aparece Pentesilea transgrediendo el orden, cayendo enamorada a los pies de Aquiles. Las advertencias de la Madre de las Madres se las lleva el viento. Se enciende la pasión.

Y estalla la tragedia.

Y así, entre músicas y alaridos de elefantes y jaurías de perros, entre danzas y cantos de guerra, aquí están, pisando la arena de Mérida, Pentesilea y sus tres princesas, Asteria, Meroe, Protoe, y la Madre de las Madres con su coro de Amazonas, y Aquiles con sus dos reyes cómplices, Ulises, rey de Ítaca y Diomedes, rey de Etolia.

El ejército de las Mujeres Guerreras al asalto de un corazón, el suyo y el nuestro, un corazón poblado de contradicciones, inundado por un torrente de preguntas. ¿Es el amor un tigre insaciable que envenena la razón? ¿Podemos escapar de su voracidad posesiva? (Magüi Mira)
 

Del 15 al 19 de agosto de 2018: La comedia del fantasma de Plauto

Versión libre: Miguel Murillo. Dramaturgia: Miguel Murillo, Félix Estaire. Dirección: Félix Estaire. Dirección Musical: César Belda. Dirección Coreográfica: María Lama Huerta. Iluminación: Fran Cordero. Sonido: Koke Rodríguez.
Maquillaje: Pepa Casado. Escenografía: Diego Ramos. Vestuario: Diego Ramos y Luisa Penco. Dirección Técnica: David Pérez Ayte. de producción: J. C. Valadés. Jefe de producción: José F. Delgado. Ayte. dirección: Xus de la Cruz. Auxiliar de producción: Eduardo Cicuendez. Producción ejecutiva: Teatrapo Producciones S.L. Una coproducción de Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Teatrapo.

Un millonario avariento, un criado avispado, un hijo medio lelo y enamorado y un par de profesionales de la usura… o de la banca, que viene a ser casi lo mismo, pretenden llevarse un botín que va pasando de mano en mano, como la falsa moneda. Y entre tramas inmobiliarias, llaves de cajas A y de cajas B, compraventas, intereses económicos y… fantasmas, terribles fantasmas… todo puede ocurrir, todo puede pasar… ¿En qué bolsillo aparecerá el dinero? ¿Existen los fantasmas? ¿Son fantasmas las personas que aparecen en los papeles de la contabilidad?

La Mostellaria o Comedia del fantasma es una pieza de caracteres (al más puro estilo de Teofrasto) que juega al enredo de situaciones a través de unos personajes muy dinámicos y bien construidos. Plauto desarrolla un argumento sencillo, pero con mucha astucia y pericia en su forma de concebir la carpintería teatral. El embrollo adquiere dimensiones colosales y se resuelve finalmente cuando todos, el padre el primero, reconocen que la mentira se oculta tras las fachadas de virtud o valentía heroica que ostentan.

Teofrasto da lugar a una pieza que, si bien el tiempo ha hecho que pudiera envejecer, nos permite acercarnos a ella desde una mirada respetuosa y cariñosa, pero cercana, próxima al presente que nos toca vivir. Una mirada que nos permita entender a Plauto, a los grecolatinos, pero sobre todo que nos permita reírnos de nosotros mismos para entendernos.

Del 22 al 26 de agosto de 2018: Hipólito de Eurípides

Eurípides escribe sobre el mito de Hipólito en dos ocasiones. En la primera, Hipólito Velado, escandaliza a los espectadores atenienses con una propuesta muy sensual y sexual, en la que Fedra no oculta su deseo por Hipólito, su hijastro, y este se cubre la cara con un velo avergonzado por las palabras de su madrastra. Posteriormente, y estimulado por el éxito de su contemporáneo Sófocles con su Fedra, reescribe Hipólito, así, a secas, una propuesta mucho más taimada y acorde con el gusto de la época.

Hipólito es un clásico contemporáneo, cuya lectura es radicalmente interesante hoy. El enfrentamiento entre el amor que siente Fedra por Hipólito la llevará al suicidio empujada por la intolerancia de Hipólito y por el qué dirán. La derrota de una mujer avergonzada por amar, frente a la intolerancia de un hombre que dice que “ojalá os muráis todas” las mujeres, expresa con claridad la lucha hombre mujer, en la que la mujer pelea siempre en desventaja. El sentido común lo pone la nodriza, mujer que representa el amor incondicional, y que se sitúa a las antípodas de esas diosas a las que la felicidad de sus hijos e hijas les importa mucho menos que la disputa que mantienen entre ellas por demostrar quién de las dos es más poderosa.

En nuestra propuesta la carga trágica recae en Fedra. No puede no amar a Hipólito. Asume su error trágico, y se quita la vida. Un repaso a los títulos de las dramaturgias de Esquilo, Sófocles y Eurípides nos llevará a la conclusión de que todos son, o héroes/heroínas colectivos (Persas, Troyanas…), o individuales (Edipo, Medea…). La versión que escribimos a cuatro manos Isidro Timón y yo se inspira en las dos composiciones de Eurípides, la fracasada y la exitosa, teniendo en cuenta la Fedra de Sófocles y racionalizando la relación pasional, emocional y sexual, entre un hombre y una mujer que, más allá de la relación social, madrastra-hijastro, eran dos jóvenes de edades similares. Siempre desde el inmenso respeto que inspira un autor que ha sido capaz de sobrevivir al tiempo con tanta frescura. (Emilio del Valle).

Una programación cada año más ambiciosa