El momento presente

Escrito por Jorge Mur

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Sarolta Gyoker es una fotógrafa contemplativa y espiritual. Sus fotografías son como haikus, breves poemas que capturan la belleza cotidiana: árboles en flor, reflejos en un charco, delicadas hierbas que brotan de la nieve espesa, el vuelo de los pájaros. Su obra enfatiza la luz, el silencio, los elementos básicos de la naturaleza y las formas abstractas, que confieren a su imaginario personal de una vertiente onírica. Además, gran parte de sus fotografías evocan la estética japonesa, con un minimalismo meticuloso y un eco del «mundo flotante» de los grabados del período Edo, donde la belleza y los placeres fugaces del mundo se funden en una sola imagen.

Cuéntanos cuáles son tus principales líneas de trabajo y por qué la fotografía es importante para ti.

Para mí, la fotografía es simplemente una forma de vida: busco entrar en un estado contemplativo y elevado que me permita una mayor intimidad y conexión con lo que hay dentro y alrededor de mí, abrirme a la posibilidad de capturar lo que brilla a través de los fenómenos, ya sea una sombra en el crepúsculo, los esqueletos gráficos de troncos desnudos en la nieve fresca, o algo que exprese los matices del mundo transitorio.

Me atrae sobre todo la belleza oculta y las propuestas gráficas del mundo natural, ya sea iluminado por el sol de la mañana o del atardecer, o revelándose solemnemente en días más monocromáticos y nublados. La cámara casi siempre está conmigo, pues he aprendido que algunas de mis mejores fotografías las tomé sólo con mis ojos cuando dejé la cámara en casa. Mi principal interés es capturar algo único o visualmente impactante, sintiendo el sujeto que aparece, ya sea por su belleza gráfica, sus tensiones internas, su riqueza pictórica o simplemente por la forma en que la luz incide sobre él.

Tampoco renuncio a fotografiar ningún otro tema que me resulte visualmente atractivo, ya sea desde la ventanilla de un avión antes del despegue o en medio de un patio oscuro y destartalado de mi ciudad natal, Budapest. Sin embargo, las fotografías que más me marcan son las tomadas en la naturaleza. He vivido más de la mitad de mi vida en Canadá y la cercanía con el mundo natural, incluso en la capital o sus alrededores, se ha convertido en una parte fundamental de mi vida.

¿Cuál es el elemento clave en la concepción de tu fotografía?

Es la dimensión metafísica del mundo visible lo que más me atrae. Sin embargo, soy consciente de que ciertos temas y composiciones resuenan conmigo más que otros. Tiendo a tomar fotografías verticales; la verticalidad quizás ofrece un diálogo entre los reinos celestiales y terrenales, por así decirlo, y habla más de una sensación de anhelo que sospecho que reside en mi interior: una especie de anhelo sin un destino u objeto claro, pero que abarca el concepto japonés «Ichi-go ichi-e» —»una vez, un encuentro»— el aprecio por el momento presente.

Tus fotografías tienen un marcado carácter pictórico y parecen fotogramas de un sueño o un recuerdo. ¿Por qué te gusta crear esta estética? ¿Por qué te interesa añadir un toque poético u onírico al entorno que te rodea?

Gracias. Supongo que algunas podrían considerarse oníricas, aunque no es algo que yo pretenda. Sin embargo, bien podrían tener un aire onírico, ya que me atraen los temas que evocan una sensación de misterio; como suelo fotografiar a contraluz, esto también puede generar esa sensación.

¿Cómo eliges los lugares? ¿Qué características deben tener? ¿Qué sientes cuando estás allí?

Siento que las propuestas más evidentes son las que me rodean, y como fotógrafa, tengo la oportunidad de explorar lo que hay en el jardín, por así decirlo. Adoro el agua, ya sea un charco, un lago cristalino, un estanque cubierto de lentejas de agua o el océano embravecido, pero también me siento fascinada por las primeras nevadas, por la pureza y la sencillez zen de la nieve blanca que envuelve los troncos oscuros de los árboles y las frágiles hierbas, evocando a menudo la caligrafía sumi-e, que solía estudiar con un maestro japonés.

¿Cuál es tu momento favorito del día para fotografiar?

Como muchos fotógrafos, prefiero las primeras horas de la mañana (me encanta el silencio y la ausencia de viento), pero también la tarde, antes y después del atardecer. Me fascinan las nubes altas, los cirros, que parecen haber sido suavemente rozadas sobre la inmensidad azul, y la niebla, que, a diferencia de Europa, aquí donde vivo es como un cuervo blanco. Cuando hay niebla densa, no puedo reprimir mi entusiasmo juvenil y salgo corriendo.

¿Qué es lo que más disfrutas de tu proceso fotográfico?

Me pregunto qué es lo que NO disfruto… Creo que lo único que podría decir negativamente serían las dificultades físicas que conllevan algunas sesiones: cuando mis dedos apenas sienten con temperaturas bajo cero y vientos árticos. Por lo demás, lo más importante de cualquier sesión es la tranquilidad, la capacidad de prestar atención, dejar de lado mi afán por lo que creo que sería ideal y no acaparar la atención de la imagen.

¿Qué tipo de cámara sueles utilizar?

Uso mi cámara sin espejo Fuji o una DSLR de Nikon.

¿Cómo mantienes tu creatividad? ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración?

Fotografío, si no todos los días, al menos cinco o seis días a la semana. Mi mayor fuente de inspiración es simplemente caminar en la naturaleza, observando cómo la luz incide sobre el mundo. Me encanta leer, tanto ficción y poesía como literatura filosófica y espiritual; cualquier cosa que me atrape y que explore los matices de la psique humana y el significado de este misterio asombroso llamado vida. Me gusta tener conversaciones sinceras y abiertas con mis amigos más cercanos. Escucho mucha música, sobre todo la llamada «clásica», desde el siglo XIV hasta el XX.

¿Qué otros fotógrafos o artistas te inspiran?

¡Demasiados! El mundo está lleno de arte impresionante. Sólo una pequeña muestra: las fotografías de Saul Leiter, Andréi Tarkovski, Sally Mann, Gueorgiu Pinkhassov, Yamamoto Masao, André Kertész, por nombrar sólo algunos. Artistas como el monje del siglo VIII Beato de Liébana, Constantin Brancusi, Alexander Calder, Paul Klee, Odilon Redon, o los contemporáneos Anish Kapoor, Xu Bing, Agnes Martin, y varios pintores aborígenes australianos actuales…

¿Cuáles son las lecciones más importantes que te ha brindado tu trabajo fotográfico?

La humildad es algo que debo aprender a diario. Cuando salgo a caminar, con la intención de encontrar algo que me inspire, necesito vaciarme mentalmente para estar totalmente receptiva y aceptar, también, que no siempre se me concederá una euforia repentina. También descubro que cuanto más tiempo dedico a profundizar en la fotografía, tanto al tomar las fotografías como al revisarlas, más siento la inspiración, por así decirlo.

En tu opinión, ¿cuál es la cualidad más importante que debe tener un fotógrafo detrás de la cámara?

En mi caso, diría que es la atención y la paciencia, una mente tranquila y receptiva, o, por así decirlo, una mente en blanco. Visualizar la atmósfera que se desea transmitir en la fotografía, ya que esto influye en las decisiones sobre la configuración para la postproducción, permite una mayor concentración.

Veo que en tus publicaciones de Facebook sueles acompañar tus fotografías con poesía y haikus. ¿Por qué?

Considero los haikus y la poesía como formas de escuchar mis fotografías. A veces, una escena, una toma o un detalle en particular me inspiran un verso porque parecen compartir una resonancia interna. Otras veces, escribo yo misma los haikus. Espero que, de esta manera, las imágenes y las palabras puedan abrir un nuevo espacio para la contemplación.

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Written by Jorge Mur

»The present moment«

Sarolta Gyoker is a contemplative and spiritual photographer. Her photographs are like haikus, brief poems that capture everyday beauty: blossoming trees, the reflections in a puddle, delicate grasses emerging from the thick snow, birds in flight. Her work emphasizes light, silence, the basic elements of nature, and abstract forms, which lend her imagery a dreamlike quality. Many of her images also evoke Japanese aesthetics, with a meticulous minimalism and an echo of the «floating world» of Edo-period prints, where beauty and the world’s fleeting pleasures merge into a single image.

Tell us about your main lines of work as a photographer and why photography is important to you.

Photography is simply a way of life for me: I seek to enter a contemplative, heightened state that allows for a greater intimacy or engagement with what is within and around me, to open myself to the possibility of capturing what is shining through phenomena—be it a shadow in the twilight, the graphic skeletons of bare tree trunks in the fresh snow, or something that expresses the nuances of the transient world.

I am mostly drawn to the hidden beauty and graphic offerings of the natural world, whether lit by the morning or evening sun or solemnly revealing itself in more monochromatic, overcast days. The camera is nearly always on me, as I have learnt that some of my strongest photographs were taken only by my eyes when I left the camera at home. My main interest is capturing something unique or visually exciting while feeling the subject that appears, whether via its graphic beauty, internal tensions, painterly richness, or just by the way light happens to shine upon it.

I do not refrain from any other subject that I find visually inviting, either—be it from an airplane’s window before takeoff, or in the middle of a grungy dark courtyard in my hometown, Budapest. However, the photos that have ended up closest to me are those taken in nature. I have spent over half of my life in Canada and the proximity of the natural world, even in or near the capital, has become an integral part of my life.

What is the key element in the conception of your photography?

It is the metaphysical dimension in the manifest world that draws me most. I am, however, aware that certain themes and compositions resonate with me more than others. I tend to take vertical shots—verticality perhaps offers a dialogue between the celestial and the terrestrial realms, as it were, and speaks more to a sense of yearning that I suspect may be dwelling within me–a kind of longing with no clear destination or object, but encompassing the Japanese concept “Ichi-go ichi-e”–«one time, one meeting»– the cherishing of the present moment.

Your photographs have a marked pictorial character and look like frames from a dream or a memory. Why do you like to create this aesthetic? Why are you interested in adding a poetic or dreamlike touch to the environment that surrounds you?

Thank you. I suppose some could be seen as oneiric, although it is not a particular attempt on my part. It may well be dreamlike, though, as I can be drawn to subjects that evoke a feeling of mystery; since I often shoot against the sun, it may create this feeling, too.

How do you choose the locations? What characteristics should they have? What do you feel when you are there?

I feel that the most apparent offerings are those that surround me, and as a photographer, I am given a chance to explore what is in the garden, so to say. I absolutely adore water, be it a puddle, a mirrorlike lake, the duckweed-covered pond, or the raging ocean, but am also growing wings at the first snowfalls for the pristine, zen-like simplicity of the white snow enveloping the long-enduring dark tree trunks and fragile weeds, often evoking sumi-e calligraphy which I used to study from a Japanese master.

What is your favourite time of the day to shoot?

As with many photographers, it is as early in the morning as possible (I love the silence and the absence of wind in the early hours) but also the evening before and after sunset; I absolutely adore cirrus clouds that seem to have been softly brushed onto the blue expanse, and the fog, which again, unlike in Europe, is a kind of white raven here where I live. When there is a dense fog, I cannot repress my girlish enthusiasm and run outside.

What do you enjoy the most about your photography process?

I wonder what I do NOT enjoy in it… I think the only thing that I could answer in the negative would be the physical concomitants that come with some shoots—when my fingers hardly feel in sub-zero temperatures and arctic winds. Otherwise, the most important part of any shoot is a quiet, allowing attention, relinquishing my hunger for what I think would be ideal, and leave myself out of the picture.

What kind of camera do you usually use?

I either use my mirrorless Fuji or a Nikon DSLR.

How do you stay creative? What are your main sources of inspiration?

I photograph, if not 7, at least 5-6 days a week. My greatest source of inspiration is simply walking in nature, observing the way light falls on the world. I love to read, both fiction/poetry and philosophical/spiritual literature – anything compelling that addresses the nuances of the human psyche and the meaning of this stupefying mystery called life. I love to have vulnerable, open conversations one-on-one with close friends. I listen to music a lot, mostly so-called “Classical”, ranging from the 14th to the 20th century.

What other photographers or artists inspire you?

Too many! The world is full of breathtaking art. Just a drop from the ocean: the photographs of Saul Leiter, Andréi Tarkovski, Sally Mann, Gueorgiu Pinkhassov, Yamamoto Masao, André Kertész, to name a very few. Artists such as the 8th century monk Beatus of Liébana, Constantin Brancusi, Alexander Calder, Paul Klee, Odilon Redon, or the contemporaries Anish Kapoor, Xu Bing, Agnes Martin, and a number of current Australian Aboriginal painters…

What are the most relevant lessons that your photographic work has brought you?

It is humility that I have to learn daily. When going out for my walks, with the intention of chancing upon something that speaks to me, I need to empty myself to be totally receptive, and also accept not being granted the gift of a sudden elation. I also find that the more time I seek to delve into photography, during both shooting and re-visiting my shots, the more I can feel the wings of angels approaching, so to say.

In your opinion, what is the most important quality a photographer should have behind the camera?

In my case, I’d say it is attention and patience, a quiet and welcoming state of mind, or “no-mind”, as it were. Visualizing the feel of the photo you wish to present, as that informs your decisions of settings for post-production, allows more focused attention.

I see that in your Facebook posts you often accompany your photos with poetry and haikus. Why so?

I think of haikus and poetry as ways to listen to my photographs. Sometimes a particular scene, a shot, or a detail, brings a line of poetry to mind because they seem to share a certain inner resonance. At other times I write the haikus myself. I hope that images and words this way can open another space for contemplation.

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