García Lorca y El público: destruir el teatro para habitarlo

Horacio Otheguy Riveira.

En El público los personajes se bosquejan, perfilan, se afirman y desdibujan al tiempo que las tramas se superponen: alarde de creación fuera de toda norma en 1929-1930, después de visitar Nueva York donde existió un García Lorca hiperactivo, escribiendo mucho, atendiendo entrevistas, homenajes, amistades en diversos ámbitos: la música, el cine, el teatro con solo 32 años.

En los seis años restantes -hasta los 38- distribuyó su talento en una producción que encontró inmediata repercusión en Argentina y Uruguay con estrellas españolas admiradas en esas tierras como Margarita Xirgu y Lola Membrives. Alternó estructuras de realismo poético con otras que volvían a romper las reglas al uso: La casa de Bernarda Alba, Así que pasen cinco años, Yerma, Comedia sin título, Doña Rosita la soltera…

Lúdica, creativa y amorosa resulta esta versión del Teatro Clásico de Sevilla, dirigida por Alfonso Zurro (inolvidables sus puestas en escena en Madrid de Dulce pájaro de juventud y Hamlet). Eminentemente sensorial, en gran medida un antiteatro que lucha por reencontrar un lenguaje visceral al margen del raciocinio del teatro de su época. Y en la actualidad sucede otro tanto: hay espectadores que ovacionan al elenco, pero con una risa nerviosa aseguran: «No entendí nada».

Precisamente lo que se propone el espectáculo es una firme propuesta de comunicación sensorial con las peripecias de personajes que van de Romeo y Julieta, a hermosos caballos blancos (dos hombres y una mujer), la libertad sexual y los desnudos como parte esencial de la vida cotidiana y, sobre todo, la necesidad de sobrevolar las emociones conocidas para encontrar nuevas.

La Compañía logra el poder de seducción de una interpretación coral como para llegar al final y agradecerles el esfuerzo, que es mucho con un texto nada lineal, profundamente surrealista.

Un precioso trabajo coral en un brillante montaje que, no obstante, no consigue mantener la atmósfera de revelaciones donde todo es posible, pero cuenta con escenas asombrosas y la emoción de preguntarse hasta dónde hubiera llegado el poeta asesinado en 1936.

Hay que destruir el teatro. Hay que habitar el teatro.

 

 

Nuestra propuesta se centra en la fuerza y belleza del texto, su poder emocional, las imágenes y sugerencias, y en la máscara, el cambio de roles… Este es un montaje de una belleza extrema, y el objetivo que buscamos es que esa belleza atrape al espectador, que el conjunto estremezca, deslumbre y emocione. Utilizamos un lenguaje poético de corte surrealista repleto de imágenes sugerentes y provocadoras. Se trata de nuestra producción más arriesgada y contundente hasta el momento, con una sofisticada y exquisita puesta en escena cuidada hasta el más mínimo detalle. Eso hace que el espectador quede fascinado por la belleza y el encanto de la obra, en el momento en que se deja arrastrar a lugares a los que no solemos llegar. Un poema dramático que nos enfrenta como público a nosotros mismos, nos convulsiona, y nos hace dudar de esos lugares comunes y plácidos desde donde observamos el teatro.

Juan Motilla: Director (Enrique)

TEATRO FERNÁN GÓMEZ HASTA EL 18 DE OCTUBRE 2026