Fest Training Ground 2011
Por Nuria Monvoisin Cano.
El festival Fest Training Ground es un encuentro de jóvenes artistas relacionados con el cine que se unen cada año para recibir workshop de la mano de profesionales. En su semana de duración, también se otorgan premios a los cortometrajes y documentales que se presentan, pero el objetivo principal son las master class y labs room que actúan como la experiencia clave que une a estos jóvenes con el mundo profesional al que llegarán en breves momentos. Este año el festival tuvo lugar en Espinho (Portugal) y tuve la oportunidad de poder escuchar y aprender de esta experiencia tan enriquecedora y estimulante.
El primer día, después de un rico desayuno portugués, todos estábamos listos en nuestras cómodas butacas en el centro multimeios de Espinho para recibir la primera master class a manos de Joao Seabra. El creador de la empresa JumpWilly, dedicada a animación 3D y composición musical, nos mostró algunos de sus más importantes trabajos hasta la fecha. Esto sirvió para ofrecer consejos relacionados con la difícil tarea de emprender y crear una empresa desde la nada. Insistió mucho en el que hay que estructurar bien los proyectos desde el principio y tener una buena estrategia, un plan. En el origen de una compañía, hay decisiones que pueden suponer buenos y malos momentos pasado un tiempo, por lo que hacer una reflexión sobre estos asuntos ayudó a más de uno de entre los estudiantes.
A mí personalmente me gustó, aunque sonara a cliché, los consejos que lanzó sobre el no tener miedo a emprender, porque es la única manera de aprender; también los puntos sobre intentar crear algo nuevo cada vez que comiences un proyecto, no hacer cualquier cosa fácil para ganar dinero; y también la idea de intentar ser siempre creativo, hagas lo que hagas. Una de las cuestiones que más preocupaba a todo el mundo era el tema de los contactos al iniciar una empresa y a esto Joao Seabra respondió que, aunque sea muy importante conocer a gente en este mundillo, siempre hay que procurar empezar profesionalmente desde el principio, es decir, que no hay que bajar mucho tu precio incluso en el inicio, porque el mercado se acostumbra.
Aunque el tema de los contactos sea importante hay que ofrecer siempre profesionalidad desde el primer momento, algo que también comentó otra de las ponentes en su master class, en concreto Soraia Ferreira, productora de Yellow Entertainment. El tema comercial y promocional es algo que preocupa a muchos jóvenes realizadores y la ponencia de la productora portuguesa sirvió de elemento esclarecedor en algunos asuntos. Explicó velozmente todo el proceso de preproducción / producción / postproducción para centrarse en el tema más importante actualmente: Transmedia Storytelling. Se trata de la promoción experienciada que une lo documentanl, la ficción y la interactividad. Esta práctica es poco conocida por el público, pero tendrá mayor fuerza de aquí en unos años. El tema provocó un debate entre los participantes y Soraia Ferreira porque la gente de oficios más “artísticos” no ve que este tipo de prácticas comerciales potencie la idea, sino más bien el dinero. Fue muy interesante porque entre el mundillo de productores el transmedia storytelling tiene mucha importancia actualmente. La propia Soraia Ferreira tiene entre manos un proyecto transmedia para el próximo año que une una experiencia con el turismo en O Porto (Portugal).
En un lado completamente opuesto a la producción, tuvimos la master class relacionada con el oficio del creative research. ¿Y qué es esto?, dijimos muchos al entrar en la sala de conferencias: pues se trata de un trabajo de lo más inspirador y creativo ya que es servir de “buscador” de datos visuales y creativos para otra persona. La creative research Aleks Cvatojevic, nos dejó sorprendidos con este oficio del que poco sabíamos y del que no hay ninguna escuela que tenga enseñanzas al respecto. Ella ha trabajado para artistas como Harmony Korine, con el que colaboró para la realización de spots publicitarios (Thorntons, Budweiser,..). Cierto es que no era de extrañar que hubiera un equipo artístico (por llamarlo de alguna manera) detrás de spots, como lo hay para un largometraje. Pero lo que sorprende es cómo una sola persona absorbe toda esa información creativa que luego será plasmada visualmente en la obra audiovisual. “Trabajo las 24h del día”, es lo primero que dijo la joven artista, pues se trata de estar alerta constantemente capturando colores, sensaciones, texturas, maquillajes, melodías,…Un divertido y claro ejemplo del oficio fue el siguiente: para quienes hayan visto la película El quinto elemento (1997), Aleks Cvatojevic puso el fragmento de film en el que la protagonista, Leeloo, observa las “definiciones” de todo lo ocurrido en nuestro planeta para ver lo que se ha perdido hasta ese momento.
Otro profesional que también se sirve de este tipo de “libros de estilo” para su trabajo, donde se plasma la inspiración visual, es Eugenio Caballero. El productor artístico de El laberinto del fauno (2006) nos acercó al ambiente de la creación de los set de largometrajes. Es un oficio que supone mucha responsabilidad porque sobre el recae mucho peso a lo largo de una película: se trata de crear el “look visual” o visual concept del film, y eso trae consigo un proceso largo y laborioso.
Eugenio Caballero habló sobre la importancia del set y de las localizaciones como elementos narrativos que transmiten mucha información sobre los personajes, de tal manera que se convierten en uno más del elenco. Es asombroso el largo recorrido que deben hacer estos profesionales para que el espectador pueda observar y sentir el universo creado en una película (crean el “style book” a partir del guión y las notas del director). Su trabajo en El laberinto del fauno (2006) introduce al espectador en un mundo mágico y único en el que uno se siente rodeado y absorbido por una atmósfera mística que casi se puede palpar. Ese es el resultado y objetivo principal del productor artístico: transmitir una sensación única e indescriptible.
Por último, me gustaría destacar la master class ofrecida por el especialista de maquillaje y efectos especiales Colin Arthur. Sus trabajos tienen una alianza con la creatividad y ofrecen cada vez algo nuevo y diferente. Todos ellos han sido creados desde su empresa Dream Factory, y son muy diferentes entre sí. Todo el mundo recuerda los simios de 2001: Una odisea en espacio (1968), porque son el elemento clave con el que comienza el film, y suponen un símbolo de la película que conocen hasta los que no la han visto.
Las máscaras de dichos simios son resultado de las manos mágicas de este hombre, al igual que lo es el gran dragón de la suerte Fujur de La historia interminable (1984). Colin Arthur nos contó lo complicado que era hacer los grandes personajes fantásticos de La historia interminable, porque por aquel entonces todo debía hacerse físicamente. Esto significaba tener que moverlos mientras se rodaba lo que aumentaba la complejidad. También nos habló de sus estudios: Madame Tussauds, el mítico museo de cera más importante del mundo sirvió de cuna de aprendizaje para este artista.
Fueron muchas las vivencias y experiencias en Fest Training Ground 2011 y todas ellas ayudan a entender un poco más el resultado que vemos en las pantallas. No hay nada mejor para aprender que un grupo de profesionales que te aconsejan y te muestran sus trabajos como si de compañeros se trataran, y es esto lo que sirve a tantos estudiantes de cine para aumentar su esfuerzo, su ilusión y sus ganas por entrar en proyectos cada vez más interesantes e inspiradores, que sirvan a su vez para inspirar a otros que vengan detrás.
Para más información: Fest Training Ground.