“Madre Coraje y sus hijos” abre la última temporada de Ernesto Caballero al frente del CDN

Por Horacio Otheguy Riveira

Con cuarenta obras se cerrará un ciclo de ocho años fructífero en éxitos, debates, sorpresas más o menos gratificantes (según el devenir del respetable y los analistas), pero en todo caso con generoso predominio de autores españoles de ambos sexos y presentación internacional de importantes experiencias.

Ernesto Caballero dio muestra de un amplio sentido de la generosidad artística expandiendo una profunda voluntad de servicio público. Con presupuestos recortados, temporada tras temporada, su equipo se las ingenió para ofrecer una panorámica nacional e internacional siempre vigorosa. Como responsable de puestas en escena, impactó de manera memorable en varias ocasiones, aunque muy especialmente, con dos poderosos espectáculos: una versión de las Comedias Bárbaras de Valle Inclán (Montenegro) y de la Vida de Galileo de Brecht.

Tras un elaborado trabajo de revisión de texto y notables aportes de puesta en escena, el próximo 27 de septiembre estrena otro Brecht: Madre Coraje y sus hijos: una empresa de especial dificultad si se tiene en cuenta que ha sido representada en varias ocasiones por compañías de similar prestigio. A partir de esta función, se lanza una programación con variedad de clásicos y contemporáneos.

De un abanico de interesantes posibilidades, a continuación presentamos una selección de funciones especialmente atractivas (más información y venta de entradas y abonos en la web del Centro Dramático Nacional):

TEATRO MARÍA GUERRERO

Del 27 de septiembre al 12 de noviembre 2019.

Traducción: Miguel Sáenz. Versión y dirección: Ernesto Caballero.

Intérpretes: Blanca Portillo, Paula Iwasaki, Jorge Kent, Bruno Ciordia, Samuel Viyuela, entre otros.

Escenografía: Paco Azorín. Iluminación: Paco Azorín-Ernesto Caballero. Vestuario: Gabriela Salaverri. Composición musical: Paul Dessau. Música y espacio sonoro: Luis Miguel Cobo.

La cantinera Ana Fierling no quiere que termine la guerra, pues de ella depende el sostenimiento de su pequeño comercio. La guerra, ese gran negocio, que con su aciaga factura de muerte y destrucción se va cobrando la vida de sus hijos, no parece despertar a Madre Coraje de su propia alienación. ¿O tal vez no sea así? Acaso cuando al final, reemprende su marcha arrastrando su carro en soledad, lo haga desde una conciencia alentada por esa “rabia de mecha larga” que ella misma preconiza en un momento de la obra. La riqueza del personaje estriba en la encrucijada de contradicciones en que se desenvuelve… Sea como sea, el dramaturgo, maestro de la paradoja y la ironía, transfiere la agnición de la heroína al patio de butacas: el público contempla la ceguera de Madre Coraje e, inevitablemente, extrae sus propias consideraciones al respecto, participando así, tanto de la propuesta artística, como de la consiguiente conversación pública que esta propicia. (Ernesto Caballero).

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Del 28 de noviembre al 1 de diciembre 2019.

Why?

Texto y dirección del escenario: Peter Brook y Marie-Hélène Estienne
Diseño de iluminación: Philippe Vialatte
Elenco: Hayley Carmichael, Kathryn Hunter, Marcello Magni

En inglés, subtitulado en castellano.

Un vagabundo global en busca de la verdad teatral.
 The Guardian

El director de teatro más célebre de nuestro tiempo, Peter Brook y Marie-Hélène Estienne, presentan un nuevo trabajo reflexionando sobre las cuestiones fundamentales de la existencia.

Una reflexión conmovedora creada por una mente teatral maestra a medida que su carrera llega a su fin, ¿por qué? es una obra introspectiva extraordinaria de un artista implacable y visionario. En él pregunta: “¿Por qué teatro? ¿Para qué sirve? ¿De qué se trata?”.

Una actriz y un actor, cara a cara, se preguntan por qué dieron toda su energía al teatro. Sus mentes, cada célula de sus cuerpos, están llenas de recuerdos y preguntas. Llevan consigo un sinfín de preguntas.

Artaud, Craig, Stanislavski, Meyerhold, Zeami, el gran maestro de los japoneses Noh, Charles Dullin … estos personajes nunca los abandonan. Las preguntas formuladas por estos hombres valientes que, a principios del siglo XX, revolucionaron el teatro se hicieron, con el tiempo, cada vez más urgentes, cada vez más vivos. Todos, a su manera, tuvieron que enfrentar esta pregunta esencial una y otra vez: “¿En qué me pasé la vida? Por qué ? ¿Por qué? “.

Peter Brook es celebrado por su trabajo en teatro, ópera, cine y literatura. Brook, nacido en Londres hace 94 años, reside sede en Francia desde la década de 1970, ha revolucionado las artes escénicas en todo el mundo para múltiples generaciones de artistas a través de su trabajo y sus escritos.

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Del 12 de febrero al 29 de marzo 2020.

Naufragios de Álvar Núñez (o La herida del otro)

José Sanchis Sinisterra (Texto), Magüi Mira (Dirección), Curt Allen Wilmer (Escenografía), José Manuel Guerra (Iluminación) y Lorenzo Caprile (Vestuario).

Intérpretes: Jorge Basanta, Karina Garantivá, David Lorente, Toni Misó, Pepón Nieto, Jesús Noguero y Clara Sanchis.

Reconstrucción de diversos pasajes de la crónica de Alvar Núñez Cabeza de Vaca (sus “Naufragios…”) en la memoria del protagonista -Álvar Núñez-. Se hacen presente en ella los recuerdos de muchos de sus camaradas que se lamentan porque en el libro sus historias han quedado en segundo plano. Igualmente, la presencia de su compañera durante la estancia entre los indios (Shila) y de la hija de ambos habría quedado oculta. Los recuerdos, que nos van dando las claves de los diferentes personajes y de sus andanzas, se conjugan en una doble disposición temporal (mezcla de un presente contemporáneo y de un pasado histórico, el sigo XVI) con un enfoque además metateatral en algunos momentos, dando como resultado una estructura compleja y contrapuntística muy elaborada.

Primera edición en Trilogía Americana de Sanchis Sinisterra. Madrid, El Público, colección de teatro, nº: 21, pp. 167-238 , 1992. [Hay una edición más accesible en la colección Letras Hispánicas de la Editorial Cátedra].

A través de una forma dramática informe, de una teatralidad que asume gozosamente el fracaso de la coherencia, de la consistencia, de la causalidad lineal, de la unidad estética, de cualquier Poética, en fin, aristotélica, Naufragios de Álvar Núñez (o La herida del otro) nos induce a plantearnos la problemática de la alteridad, el fracaso de la relación con el Otro como paradigma de la conquista de América, de toda conquista y colonización, de toda tentativa de colonizar al otro, ya sea ignorándolo, negándolo, impidiéndole ser otro o destruyéndolo.

Y el Otro es el indio americano, sí, pero también el norteafricano que emigra con su hambre oscura a la privilegiada Europa, y también la mujer que se mimetiza en objeto del deseo del hombre, y también aquel que “merodea bajo tu ropa”, aquel que “susurra bajo tu piel”… Ese otro interior, sí, que tan frecuentemente ignoramos, negamos, impedimos y destruimos. (José Sanchis Sinisterra)

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TEATRO VALLE INCLÁN

Del 4 al 6 de octubre 2019.

Darryl Pinckney (Texto), Robert Wilson (Dirección, escenografía e iluminación) y Ludovico Einaudi (Música).

Única intérprete: Isabelle Huppert

El siempre creativo Robert Wilson ofrece a la gran Isabelle Huppert el trono de María Estuardo, la soberana que perdió la corona a causa de sus pasiones. María fue una mujer que combatió contra la historia para controlar su destino. La víspera de su ejecución, sigue luchando; lucha buscando la voz para interpelar a la justicia celestial. Escribe la historia. Su infancia transcurrió en la corte francesa. Una viudedad prematura puso fin a su danza. Lo recuerda. Regresó a Escocia. Hacer frente al cautiverio estaba en su naturaleza. Deseaba un hombre fuerte. Fue el comienzo. Contrae matrimonio, tiene un hijo y sobreviene la muerte. Nada es igual, la vida adopta un ritmo distinto. Católicos, protestantes, María, Isabel, el Amor, la Muerte. Huir fue su destino y así llego al final de su reinado. No trató de vivir a salvo. Intentó perpetuarse. En su última mañana de vida la reina María Estuardo vestía de rojo. (Darryl Pinckney)

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Del 4 al 22 de diciembre 2019.

FIRMADO LEJÁRRAGA

Vanessa Montfort (Texto), Miguel Ángel Lamata (Dirección), Isis de Coura (Escenografía y Vestuario), Rodrigo Ortega (Iluminación), Fernando Velázquez (Música) y Carmela Nogales (Documentalista).

Reparto: Gerald B. Filmore, Cristina Gallego, Miguel Ángel Muñoz, Alfredo Noval y Jorge Usón.

Imaginemos a un autor capaz de vivir cien años y de publicar noventa obras entre poesía, prosa, ensayo político, guion y teatro. Imaginemos que ha escrito Canción de cuna, uno de los textos más representados de su época, llevado al cine en más de una ocasión. Imaginemos que se enamora de la música y da a luz libretos como El amor brujoEl sombrero de tres picosMargot o Las golondrinas. Imaginémoslo escribiendo mano a mano con Marquina, Arniches, Turina y Falla, convirtiéndose en parlamentario, alzando su voz por la igualdad, fundando una revista con Juan Ramón Jiménez. ¿No sería uno de los autores españoles más importantes del siglo XX? Ahora imaginemos que también fue capaz de mantener su nombre siempre oculto pero que sí dejó un esmerado rastro de cartas y unas memorias, quizás, para que llegaran hasta nuestros días. Esta obra ha seguido ese camino de baldosas amarillas para darle rostro, voz, sexo y nombre a María Lejárraga. En escena, una sola mujer rodeada de los célebres hombres que protagonizaron su vida, que firmaron sus obras. (Vanessa Montfort).

 

 

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Del 22 de enero al 1 de marzo 2020.

JERUSALEM

Jez Butterworth (Texto), Julio Manrique (Dirección),Damien Bazin (Espacio sonoro), Francesc Isern (Audiovisuales), Núria Llunell (Caracterización), Natalie Labiano (Movimiento) y Carles Pedragosa (Asesoramiento musical).

Reparto: Chantal Aimée, Pere Arquillué, Guillem Balart, Anna Castells, Jan Gavilan, Adrian Grösser, David Olivares, Víctor Pi, Clara de Ramon, Albert Ribalta, Marc Rodríguez, Max Sampietro y Elena Tarrats.

Jerusalem es una obra enorme. Arrolladora. Como un gigante. Como un ejército de gigantes. Como una noche de fiesta memorable.

Un cuento punk con danzas Morris y reinas de mayo, y drogas y versos y risas y cantos, que contiene la energía necesaria para mover una montaña y luego despega, ligera, ingrávida, como la última nota que desafina un borracho atravesando la noche. Y también es, como suelen serlo las grandes obras, misteriosa, escurridiza e inalcanzable. Como un truco de magia, como un hada que desaparece en medio del bosque. El bosque frondoso, exuberante y mágico de Inglaterra. El paisaje mítico, ancestral, de los bosques de Inglaterra. El bosque de Sherwood. El bosque de Arden. Todos los bosques. El sitio donde se pierden las almas antes de volverse a encontrar. Jerusalem es el bosque y el bosque es “el Gallo”. Johnny Byron “el Gallo”. El antihéroe romántico. El “prota” de la fiesta. Un astro sol. Un borracho. Un pirata loco. Un ogro, un visionario, un camello detestable. Un gitano chulo y alocado inventándose el mundo desde una caravana. Una vez y otra. El puto flautista de Hamelín pasado de vuelta. Y William Blake y Jezz Butterworth y Sir John Falstaff. Un troll okupa, un insumiso, un monarca. (Julio Manrique).

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Del 11 al 14 de marzo 2020.

THE REVENGER´S TRAGEDY

Thomas Middleton (Texto), Declan Donnellan y Nick Ormerod (Adaptación), Stefano Massini (Versión en italiano), Declan Donnellan (Dirección), Nick Ormerod (Escenografía), Francesco Bianchi (Director asistente), Judith Greenwood y Claudio De Pace (Iluminación), Gianluca Misiti (Música) y Alessio Maria Romano (Movimiento).

Reparto: Ivan Alovisio, Marco Brinzi, Fausto Cabra, Christian Di Filippo, Raffaele Esposito, Ruggero Franceschini, Pia Lanciotti, Errico Liguori, Marta Malvestiti, David Meden, Massimiliano Speziani y Beatrice Vecchione.

Para su primera producción italiana Declan Donnellan y Nick Ormerod han elegido The Revenger’s Tragedy (La tragedia del vengador), obra del dramaturgo jacobita Thomas Middleton. Intriga, corrupción, lujuria, narcisismo y ansia de poder colisionan y conforman una muy contemporánea corte italiana del siglo XVII.
En busca de una venganza a cualquier precio por el asesinato de su prometida, Vindice se ve condenado a terrible castigo que pone en crisis su propia identidad.
Con un reparto compuesto por actores y actrices del Piccolo Teatro de Milán, este montaje ha sido aclamado durante su gira por toda Italia durante la temporada 2018—2019. The Revenger’s Tragedy se presenta ahora en el Centro Dramático Nacional, donde el trabajo de Declan Donnellan y Nick Ormerod, directores artísticos de Cheek by Jowl, tiene siempre una gran acogida.

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Del 22 de abril al 31 de mayo.

Lola Blasco (Texto), Marta Pazos (Dirección y Escenografía), Nuno Meira (Iluminación), Carmen Triñanes (Vestuario) y Jose Díaz y Hugo Torres (Música).

Reparto: Lola Blasco, José Díaz, Carlota Gaviño, Miquel Insua, Pablo Molinero y Hugo Torres.

Siglo mío, bestia mía habla de cómo no perder el rumbo en un tiempo de catástrofes. Tras la esperanza de la primavera árabe y marcado por la crisis económica, nuestro tiempo ha desembocado en las decapitaciones públicas, en el terror por el terror, mientras los refugiados naufragan en nuestras costas… Siglo mío, bestia mía se centra en la necesidad del amor, del consuelo, del Otro. A través de una serie de nudos, viajamos de España a Siria, de la crisis personal de una mujer al terrorismo del mundo globalizado. Tres personajes en un barco, tres civilizaciones, tres formas de entender la religión y el mundo. Más que hablar de estas situaciones, Siglo mío, bestia mía ofrece un mapa, la cartografía emocional de una época. Una obra de tintes poéticos que, sin embargo, se refiere a hechos políticos. Sin prescindir del humor o la ironía, en Siglo mío, bestia mía nos encontramos con una pieza íntima, personal, en la que se va a establecer un diálogo entre el sufrimiento privado y el dolor del mundo.

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más información y venta de entradas y abonos en la web del Centro Dramático Nacional.

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FINAL DEL DISCURSO DE ERNESTO CABALLERO EN LA PRESENTACIÓN DE LA TEMPORADA:

Acaso el valor supremo en que nos educa el teatro sea precisamente el de recelar del carácter inmutable de los valores en que se nos dice debemos ser educados. (Puede que esta voluntad aleccionadora en ocasiones responda a una bienintencionada pretensión, pero, tal como nos recuerda Jardiel, el problema de quien se propone educar al público desde el teatro es que al hacerlo se queda sin público al que poder educar. Y esa ausencia es la muerte del teatro. Ya lo dijo
Maradona, jugar al fútbol sin público es como hacerlo en un cementerio.) Porque el teatro, se ha dicho hasta la saciedad, es reflejo de la vida, y la vida, ay, se resiste a esquemáticas consignas ideológicas; los seres humanos: sus actos más desprendidos y sus más oscuras pulsiones, sus sueños más luminosos y sus más terribles pesadillas, configuran un espejo donde nos contemplamos en un prodigioso juego de metáforas. La imagen que nos devuelve el teatro siempre es poética, brota de lo inesperado para reclamar nuestra incondicional entrega al asombro; y la poesía, como nos recuerda Federico, la poesía no quiere adeptos, sino amantes.

Así es el teatro. (“Poesía que sale del libro y se hace humana”).
La fuerza del teatro radica en su imprevisibilidad, por eso lo teme el poder.
En guardia, pues, y con alegría, compañeras, compañeros.

Defendamos el teatro como espacio supremo de libertad por más que nos duela.
Gracias.
Ernesto Caballero

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