Mérida 2019: fantástica programación de ópera, danza y teatro

Por Horacio Otheguy Riveira

Del 27 de junio al 25 de agosto, un plan que emociona con solo nombrarlo. Eximios profesionales y pujantes nuevas generaciones se dan cita en el 65 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida: una fiesta anual que siempre se presenta con mayores exigencias. En esta ocasión, la primera representación traerá una ópera bellísima poco y nada conocida por el gran público: Sansón y Dalila, de Camille Saint-Saëns, con un equipo sobresaliente encabezado por los cantantes (en funciones alternas) Noah Stewart y el español Alejandro Roy con dirección de Paco Azorín.

Luego llegarán muchos alicientes, tales como José María Pou en Viejo amigo Cicerón, de Ernesto Caballero, dirigida por Mario Gas; un Shakespeare con Ernesto Arias, Ana Fernández, José Troncoso, entre otros; el muy esperado espectáculo de danza que homenajea al dios de los infinitos placeres, Dionisio, por la Compañía de Rafael Amargo, ya estrenado en grandes plazas internacionales; el ballet de Víctor Ullate con Lucía Lacarra y Josué Ullate presentarán una Antígona compuesta musicalmente por tres contemporáneos: Rubén Lebaniegos, David Moñiz, Sergio Menem.

La última ronda se compone de cuatro títulos que han brillado numerosas veces en la historia del teatro. Destacan esta vez por la variedad de géneros y estilos: Prometeo, versión de García Montero, dirección de José Carlos Plaza, y Lluís Homar como protagonista; Concha Velasco, Pepe Viyuela, Ángela Cremonte y María Hervás son algunos de los intérpretes de la versión de Mary Zimmerman de las Metamorfosis de Ovidio, con adaptación y dirección de David Serrano; la “opereta bíblica” La corte del faraón, trae seguras carcajadas con canciones que la mayoría del público conoce de memoria. En la dirección, un especialista en musicales, Ricard Reguant, quien comparte la adaptación con Juana Escabias.

Y para finalizar, una de las tragedias de Shakespeare más complejas, violentas, y menos transitadas: Tito Andrónico, con el debut en Mérida del novelista y dramaturgo, Nando López (autor de la versión castellana), y dirección de Antonio C. Guijosa. De protagonista, un habitual en Mérida y el teatro extremeño, José Vicente Moirón.

Nueve funciones a cual más apetecible, con la magia excepcional no sólo del ambiente escénico sino también con lo extraordinario de ver espectáculos de calidad rodeados por tres mil espectadores, algo imposible en una sala convencional.

DEL 27 AL 30 DE JUNIO: SANSÓN Y DALILA

Samson et Dalila (1877), de Camille Saint-Saëns (1835-1921). Ópera  francesa de ambientación bíblica, en tres actos. Basada en el Libro de los Jueces del Antiguo Testamento. Antiguo Israel, 1150 a.C.

Un líder que se debate entre el pueblo hebreo y el amor a una mujer Dalila, una exuberante filistea. Un hombre que parece ser fuerte y resulta ser débil. Una mujer que, bajo débil apariencia, esconde toda su fortaleza. Una lección para extraer: el líder ejemplar también tiene su punto débil. Un gran efecto final: Sansón recupera la fuerza y hunde el templo con todos dentro. Se trata de una obra de inclusión en la que queremos tener 400 personas sobre el escenario; una ópera participativa donde el auténtico protagonista es el pueblo.

Sansón y Dalila tiene una presencia constante en los teatros de ópera de Europa. Para el año 1920, la Ópera de París tan solo había dado más de quinientas representaciones de la ópera. Entre las producciones más recientes están representaciones en La Scala en 2002 (Plácido Domingo y Borodina), la Royal Opera House en 2004 (Denyce Graves y José Cura), Teatro Comunal de Bolonia en 2008 (Julia Gertseva y Andrew Richards), el Teatro Nacional de Praga en 2008, la Real Ópera de Suecia en 2008 (Anna Larsson y Lars Cleveman) y la Ópera Vlaamse en 2009 (Marianna Tarasova y Torsten Kerl)

Con orquesta y coro de Extremadura, iluminación de Pedro Yagüe, escenografía y dirección de Paco Ariza, se prevé un gran espectáculo protagonizado por el neoyorquino Noah Stewart y el asturiano Alejandro Roy —recientemente entrevistado en CULTURAMAS—, tenores de gran prestigio que cubrirán el papel de Sansón en funciones alternas, y una Dalila impactante, en la mezzosoprano madrileña María José Montiel. A su lado, los actores-cantantes David Menéndez, Simón Orfila, Damián del Castillo.

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DEL 3 AL 7 DE JULIO: VIEJO AMIGO CICERÓN, DE ERNESTO CABALLERO

Viejo amigo Cicerón es una obra centrada en la figura del célebre orador romano, protagonista destacado de las intensas luchas y las violentas transformaciones acaecidas en el siglo primero anterior a nuestra era. José María Pou es Cicerón personificando la integridad moral de quien mantiene la coherencia de sus convicciones políticas aún en las más adversas circunstancias. Marco Tulio Cicerón se nos presenta, pues, como un político excepcional en un mundo de mezquinas ambiciones personales, deslealtades y pequeñas componendas tan propias de la vida pública desde entonces. Político, jurista, orador, filósofo, divulgador, podría encarnar la célebre máxima de Terencio pues nada de lo humano le resultaba ajeno. En cualquier caso, nuestra propuesta participa de características propias del mundo del hombre y la mujer de nuestros días, tanto es así que en el texto aparecen expresiones próximas al lenguaje conciso y coloquial de nuestro tiempo presentando una obra cuya principal intención es, al modo ciceroniano, suscitar el debate cívico de nuestro momento histórico, tan inquietantemente similar al que vivió Marco Tulio Cicerón. Le acompañarán en este fascinante viaje su incondicional secretario Tirón, su amada hija Tulia y su fiel amigo y consejero Ático. (Ernesto Caballero, autor del texto)

Intérpretes: José María Pou, Bernat Quintana, Miranda Gas y un actor por confirmar. Director: Mario Gas. Iluminación: Juanjo Llorens.

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DEL 10 AL 14 DE JULIO: PERICLES, PRÍNCIPE DE TIRO, DE W. SHAKESPEARE

Ernesto Arias

Ana Fernández

Pericles, príncipe de Tiro, la más épica de las obras de Shakespeare, una historia miliunanochesca en la que el azar y la fortuna juegan un rol protagónico. Un largo y enrevesado relato de aventuras repleto de tumultos melodramáticos que se completan con un rey tiránico, una malvada madrastra, una heroína virtuosa, piratas, combates, naufragios, escenas de burdel, curas mágicas, resucitaciones y, claro está, un final feliz. Una verdadera fiesta para los espectadores. Gracias a un director de escena como Hernán Gené, acostumbrado a llevar al espectador a lugares inesperados, el espectáculo echa mano a todos los recursos de su dúctil elenco, manteniéndose fiel a al espíritu original de la obra y a los giros de la trama. Escrita en el tramo final de su vida, Pericles, príncipe de Tiro –emparentada directamente con Cimbelino, Cuento de invierno y La tempestad–, la función se muestra como la obra maestra que es: un drama abierto donde la relación causa-efecto es rota constantemente, las convenciones de género abandonadas, y la ilusión dramática fragmentada repetidamente por saltos en el tiempo y cambios súbitos en el estilo narrativo. Un Shakespeare casi desconocido para el público del siglo XXI, siempre clásico y siempre contemporáneo.

Versión de Joaquín Hinojosa, dramaturgia y dirección de Hernán Gené. Intérpretes:  Ernesto Arias, Ana Fernández, María Isasi, Óscar de la Fuente, José Troncoso, Hernán Gené.

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DEL 16 AL 17 DE JULIO: DIONISIO. COMPAÑÍA RAFAEL AMARGO

Dionisio, el dios griego del teatro, el vino, el éxtasis y la fertilidad. De todos los inmortales que integraban el convencional panteón helénico, es con mucho el que ha gozado de más larga vida; su presencia está ya atestiguada en los primeros documentos escritos en lengua griega (las tablillas micénicas de hace más de tres mil años) y perdura hasta nuestros días en la filosofía de Nietzsche (El nacimiento de la tragedia), la novela de Thomas Mann (Muerte en Venecia), la película de Visconti (Teoreme) o la novela de Vargas Llosa (Lituma en los Andes). Dionisio, nos concede a los humanos la felicidad suprema de la bacanal que nos conduce “a poner las almas en común”. Dionisio, chorrea sobre la tierra vino y abre a los humanos su paraíso salvaje, la alteridad, lo que está prohibido. Se da a todos (mujeres y hombres); es el dios a la vez transgresor, pero también la llama viva que busca la paz. Es un dios errante que navega sin rumbo, generador de danzas frenéticas, pero también es el perseguido, el sufriente y el moribundo, y todos los que le acompañan y son rozados por su amor deben compartir con él su ¿trágico? sino. Dionisio ha celebrado su último renacimiento, generando utopías que oscilan entre la sabiduría trágica y el nihilismo narcótico, pero siempre renace con eros en forma de luz.

Autor: Rafael Moraira. Compositor: Jesús Durán. Figurinista: Pilar Dalbat. Coreógrafo: Ramón Oller.

Intérpretes: Rafael Amargo, Luciana Bongianino, Antonio Albella, Gema Castaño, Cecilia Sarli, Gerardo Rojas, Rafael Moraira, Daniel Flores, David Coronel, Claudia Martinell, María González, Sandra Hita, Sandra Abril, Daniel Navarro, Ángel Güell, Edith Salazar, Mayte Maya (cantaora).

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DEL 19 AL 21 DE JULIO: ANTÍGONA, VÍCTOR ULLATE BALLET

Esta Antígona del encuentro hospitalario de los lenguajes y los tiempos, vuelve a la sempiterna reflexión sobre los pliegues y laberintos de la conciencia humana y sus avatares. La investigación coreográfica sincrética que desarrolla la obra hace de las tribulaciones del Hombre su epicentro. Tiresias decía que no existe en el mundo una maravilla más grande que el Hombre cuando sus acciones son buenas y no hay nada más peligroso que sus instintos antropófagos cuya tiranía devora la vida y su belleza. Esta Antígona, dirigida por Víctor Ullate, irrumpe de la lucha del ser humano contra su racionalidad temeraria, sus pasiones irreductibles y su naturaleza en cuyas laderas la pureza y las utopías se rompen y descomponen como muñecos de cristal. No se puede nada ante una realidad asolada por los compromisos y las convenciones sociales, salvo el arrojo de la resistencia femenina ante la arbitrariedad del pensamiento único. Ullate convierte la resistencia de Antígona en un palimpsesto que diseca el poder, la libertad, el amor, el exilio, lo sagrado y lo terrenal, la pertenencia, la dignidad y el ideal de la esperanza como clave última de redención. Antígona, en definitiva, es una lección de rebeldía y de dignidad frente los abusos del poder. Es un acto de desobediencia contra el imperio del dogmatismo. Ella se revela porque cree profundamente que las utopías están por encima de la vida, incluso la suya.

Reparto: Lucía Lacarra. Josué Ullate. Música original: Rubén Lebaniegos, David Moñiz, Sergio Menem. Diseño de iluminación: Pau Fullana. Dirección: Víctor Ullate

Lucía Lacarra, directora artística del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid, y ahora protagonista de Antígona, es considerada una de las principales figuras del ballet clásico actual, presenta una trayectoria artística de gran relevancia.

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24 AL 28 DE JULIO: PROMETEO, DE ESQUILO/GARCÍA MONTERO

 

La obra es un viaje hacia un recuerdo. El de un hombre atormentado por lo que hizo sacrificando su vida al entregar el fuego a los hombres y que durante siglos se pregunta: ¿valió la pena?

El Anciano parte de un hoy, incluso de un hoy futurible, desde el momento donde todo ya ha pasado: guerras, esclavitudes, crisis, injusticias, fracasos de las ideologías, de las religiones…

Lluís Homar

Busca desesperadamente lo que hay de positivo en el desarrollo de la humanidad. Con tanto horror y podredumbre coexisten Galileo, Bach, Shakespeare, Fleming, Curie, Picasso… y tanto a otra parte de la misma humanidad cuya estela se va deshaciendo (“ardiendo” según nuestro poeta).

Aparentemente el conflicto de la obra es si Prometeo joven confesará su secreto: el final de Zeus. Pero el verdadero eje de la obra es la indagación en el recuerdo por este Anciano, tratando de reavivar las razones que impulsaron su acto. Razones que se han ido diluyendo con los años, desdibujando, dejando de tener fuerza. Trata de buscar, recuperar, la pasión de aquel joven héroe que fue. Reavivar sus sueños, el espíritu que le sostenía e impulsaba y resolver la pregunta… ¿valió la pena? Pregunta aún sin respuesta que le está llevando al escepticismo, a la apatía, a un cinismo destructivo en el que no quiere caer.

Amaia Salamanca

Tener la capacidad de ver desde el hoy toda nuestra historia le da una enorme lucidez, sentido del humor y como decía Steiner al morir Dios para la sociedad contemporánea conllevó la muerte de la tragedia, como tal. Por eso él la revive. Pero, por otra parte, el mito de Prometeo está basado en una leyenda épica, pero el carácter lírico del texto de Luis García Montero lleva a trabajar la parte del castigo (Coro y demás personajes) con ese carácter de tragedia griega, donde la Compasión y la Libertad, por ejemplo, son conceptos eternos –compañeras de viaje de El Anciano– y no personajes psicologistas. Trabajando desde la verdad orgánica de las emociones, sensaciones y creencias, intentar llegar a ese “estilo” –por llamarlo de alguna manera– donde el texto tenga una presencia extrema.

Prometeo es un joven que soñó una historia. (José Carlos Plaza, director del espectáculo)

Autor: Esquilo. Versión: Luis García Montero. Intérpretes: Lluis Homar, Amaia Salamanca, Fran Perea, Alberto Iglesias, Fernando Sansegundo, Israel Frías, Javier Ruiz de Alegría, Jorge Torres, Montse Peidro, Nacho Pernas, Zaira Montes. Escenografía e iluminación: Francisco Leal. Vestuario: Pedro Moreno. Música: Mariano Díaz.

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DEL 31 DE JULIO AL 4 DE AGOSTO y DEL 7 AL 11 DE AGOSTO:

LAS METAMORFOSIS, de OVIDIO/MARY ZIMMERMAN

La versión de Mary Zimmerman de las Metamorfosis de Ovidio es una deslumbrante joya que recoge algunos de los más conocidos mitos y leyendas que escribiera el poeta romano en su obra maestra. Zimmerman juega con este prodigio literario con un amor y un cuidado casi reverencial, intentando respetar en todo momento la belleza del lenguaje de Ovidio, pero al mismo creando una obra absolutamente personal que rejuvenece y moderniza la narración de esos versos. Consigue así un texto fascinante, divertido y emocionante que se ha convertido en un pequeño clásico contemporáneo galardonado con multitud de premios, entre los que destaca el Tony a la mejor obra teatral en 2002.

Ovidio y Zimmerman nos cuentan historias de dioses, héroes, reyes y guerras, pero también de amor, venganza, ambición, locura, celos y de las más desatadas pasiones; Metamorfosis nos habla en realidad de la vida, de cómo los seres humanos conviven con sus deseos y sus miedos. Zimmerman nos cuenta que nuestro mundo también hoy está lleno de Midas, Faetones, Orfeos y Apolos, demostrando que la vigencia de las historias de Ovidio sigue hoy inalterable.

Una obra tan especial como ésta se merecía tener un gran reparto, y podemos asegurar, sin ninguna duda, que lo hemos conseguido. Pocas funciones en los últimos años en nuestro país han contado con una compañía de actrices y actores tan brillante como el que va a protagonizar estas Metamorfosis. Poder verlos juntos a todos sobre el escenario del teatro romano de Mérida es por si solo un acontecimiento del que estoy seguro se hablará durante mucho tiempo.

Adaptación y dirección: David Serrano. Diseño de escenografía: Mónica Boromello. Diseño de iluminación: Juan Gómez Cornejo.
Intérpretes: Concha Velasco, Pepe Viyuela, Edu Soto, Adrián Lastra, Pilar Castro, Belén Cuesta, Secun de la Rosa, María Hervás, Ángela Cremonte, Pepe Ocio

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DEL 14 AL 18 DE AGOSTO: LA CORTE DEL FARAÓN

La corte de Faraón es una zarzuela denominada opereta bíblica en un acto y cinco cuadros. Se estrenó en Madrid en el Teatro Eslava el 21 de enero de 1910, con libreto de Guillermo Perrín y Miguel de Palacios y música de Vicente Lleó, allí disfrutó de más de 700 representaciones, convirtiéndose en una de las 5 zarzuelas más representadas. Está basada en una obra francesa sobre el episodio bíblico del casto José y la esposa de Putifar.

Celia Freijeiro

Desde su estreno no ha dejado nunca de representarse, algunas veces de manera oculta (ya que las representaciones fueron prohibidas durante la dictadura franquista, por su tono erótico e irreverente), y ya una vez en plena democracia, en múltiples salas tanto profesionales como amateurs. Es sin duda, junto a La verbena de la paloma, la zarzuela más conocida por el público en general, incluso para los que no conocen prácticamente nada de este género musical.

Paco Arrojo

Proponemos una nueva versión, basada naturalmente en el tan conocido original, en donde la representación de la trama se ve alterada por distintos accidentes y acontecimientos ajenos al argumento del libreto, y llevándolo a un terreno algo más actual, aunque la acción la situemos en 1940 en plena posguerra.

Una nueva orquestación de los temas más populares con guiños musicales incluidos puede ser un buen método para hacer que el público salga entonando esas canciones inolvidables. Un giro hacia el musical y la revista más moderna, con vestuario y coreografía afines a nuestras intenciones y una adaptación que intentara sacar el polvo a una obra, ya de por si inmortal, para reconvertirla en un nuevo hit, si es posible, siempre que el tiempo y las autoridades no lo impidan.

Reparto: Itziar Castro, Paco Arrojo, Celia Freijeiro, Noelia Marló, Inés León, Javier Enguix, Joan Carles Bestard.

Adaptación: Ricard Reguant y Juana Escabias. Dirección y composición Musical: Ferrán González. Letrista: Xenia Reguant
Coreografias: Cuca Pont. Dirección: Ricard Reguant. Ayudante de dirección: Juana Escabias. Diseño de iluminación: Luis Perdiguero. Diseño de escenografía: Pablo Almeida. Diseño de vestuario: Maite Álvarez. Director de producción: Juan Carlos Parejo.

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DEL 21 AL 25 DE AGOSTO: TITO ANDRÓNICO,

DE WILLIAM SHAKESPEARE/NANDO LÓPEZ

Reparto: José Vicente Moirón (foto), Gabriel Moreno, Cándido Gómez, Carmelo Sayago, Guillermo Serrano, Quino Díez, Carmen Mayordomo. Resto del reparto por determinar.

 

Versión: Nando López. Figurinista: Rafael Garrigós. Escenógrafo: Juan Sebastián Domínguez. Caracterización y maquillaje: Pepa Casado. Dirección: Antonio C. Guijosa.

 

“Afrontar la escritura de la versión de una tragedia de Shakespeare es siempre un reto. Un desafío que, como autor, he decidido emprender por mi absoluta confianza en Teatro del Noctámbulo, que fueron quienes quisieron contar conmigo para encargarme de la dramaturgia, y del director de este montaje, Antonio Castro Guijosa, que estoy seguro que sabrá poner en escena con la inteligencia y complejidad que merece esta obra, en la que se presentan algunas de las situaciones más extremas y sangrientas de la literatura shakespeariana.

Como dramaturgo, lo que más me ha interesado de Tito Andrónico ha sido la posibilidad de profundizar, sin caer en injerencias excesivas en el original, en la psicología de sus personajes y en conflictos tan atemporales como la contradicción entre el respeto a la ley, encarnada por Tito, y sus consecuencias (¿el buen ciudadano es quien obedece ciegamente o quien se rebela?), ya que el personaje llegará a convertirse en una víctima del propio sistema que defiende y cuyos valores encarna. Ese conflicto, que traza una línea invisible entre el drama de Tito y el mismísimo K. de Kafka, ha sido uno de los ejes que me ha interesado rescatar”. Nando López, autor de la versión.

Cartel de una de las numerosas versiones producidas en Reino Unido (2016).

“Se dice de Tito Andrónico que es la obra más violenta, la más brutal de Shakespeare. Lo es sin duda desde el punto de vista numérico: hay multitud de asesinatos, hay mutilaciones y también hay una violación. Pero lo que hace fascinante este texto no son los actos violentos, sino los mecanismos que llevan a esa violencia y la medida en la que se ejerce. Cómo sus personajes, independientemente de sus motivaciones (o justificaciones), utilizan la violencia en el mayor grado que su ingenio y su circunstancia les permiten. ¿Por qué no se detienen? ¿Por qué no buscan un mecanismo de justicia? Tal vez sea porque su dolor personal les hace perder la perspectiva, o tal vez haya un instinto más oscuro. Tal vez infringen todo ese dolor porque pueden”. Antonio Castro Guijosa, director del montaje.

 

Todos los detalles de la programación y venta de entradas en la estupenda página web del Festival.

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